TOP 5 MEJORES PELÍCULAS 2021
El 2021, al igual que en el anime, todavía ha seguido marcado por el COVID-19, nos ha dejado producciones cinematográficas muy interesantes.
Está situación ha influido enormemente en varios festivales, los cuales se han tenido que adaptar al formato online, como es el caso de Nippon Connection, JAPAN CUTS o FANTASIA, y los cuales hemos tenido el placer de poder cubrirlos. Nos han dejado estrenos tan destacados como "Sasaki in My Mind" (Takuya Uchiyama, 2020), "Town Without Sea" (Elaiza Ikeda, 2020) o "Sakura" (Hitoshi Yazaki, 2020) y el live-action "Georama Boy, Panorama Girl" (Natsuki Seta, 2020).
Las plataformas digitales como Netflix han seguido apostando por nuevos títulos de gran calidad como "No todos pudimos madurar" (Yoshihiro Mori, 2021). Sin olvidar, los estrenos físicos en los cines españoles como "La mujer del espía" (Kiyoshi Kurosawa, 2020), la antología "La ruleta de la fortuna y la fantasía") (Ryusuke Hamaguchi, 2021) o el reestreno de "Milleniumm Actress" (Satoshi Kon, 2001).
En Hikari No Hana hemos realizado una clasificación con los que, a título personal, han sido las mejores películas de 2021, aquéllas que más nos han llamado la atención y más nos han cautivado. Hemos visto una gran cantidad de películas a lo largo de este año, y, aunque muchas de ellas tenían su encanto, no todas han podido entrar en el top.
No obstante, antes de hablar de nuestro top 5, nos gustaría detenernos a recordar aquellos largometrajes que se quedaron a las puertas y que merecen una mención especial.
MADRES VERDADERAS
El pasado 19 de Julio LA AVENTURA estrenó en España "Madres verdaderas", la esperada nueva película de la prestigiosa cineasta Naomi Kawase ("Hacia la luz", "Aguas tranquilas", "Visión"), basada en la novela de Mizuki Tsujimura.
La cinta se ha presentado en Toronto, Asian Film Festival Barcelona, Busan, D'A, y San Sebastián; además ha sido galardonada en los premios de la Academia Japonesa de Cine, en los Asian Film Awards, en los Mainichi, en Yokohama Film Festival, en los Hochi y fue elegida para representar a Japón en los Oscars de 2021.
El significado de la familia y la pureza de los lazos de sangre es un tropo muy recurrente en la cinematografía nipona en ejemplos como "After The Sunset" (Michio Koshikawa, 2020) y, especialmente en la obra de Kore-eda, como "De Tal Padre, Tal Hijo" (2013) o "Un asunto de familia" (2018). No obstante, la directora japonesa le dota de su mirada naturista y maternal hacia su ambivalencia de perspectivas.
A pesar de la solvente pareja interpretativa compuesta por Arata Iura —su elección va ligado a su pasado con Kore-eda— y Hiromi Nagasaku, la que brilla con luz propia es la descarnada interpretación de la prácticamente desconocida Aju Makita —avalada por multitud de premios interpretativos—. El dramatismo confluye a un estado superior gracias a la soberbia fotografía de Yûta Tsukinaga en colaboración con Naoki Sakakibara junto a la descomunal banda sonora de Akira Kosemura en simbiosis con el compositor vietnamita Ton That An.
FOLLOW THE LIGHT
Durante la pasada edición de Fantasia, pudimos disfrutar de "Follow the Light", la primera película de Yoichi Narita —quien ha trabajado como realizador audiovisual para Netslé, Vodafone y artistas de la talla de Keyakizaka46—, protagonizada por Tsubasa Nakagawa y Itsuki Nagasawa. La cinta se estrenó el pasado 1 de octubre.
La estela de "Todo sobre Lily" (Shunji Iwai, 2001) convulsiona a nivel supraorbital con el tratamiento alienígena como forma de expresión para la compresión de la formulación de la identidad y de los profundos cambios psicológicos y físicos que emergen durante la madurez en reminiscencia a "Makuko" (Keiko Tsuruoka, 2019). Aunque el vínculo más profundo hay que buscarlo en "River's Edge" (Isao Yukisada, 2018) en torno a la búsqueda de la resiliencia tras la llamada de auxilio ante un ecosistema opresor.
La excepcional dirección actoral ejercida por parte de Yoichi Narita es algo inconcebible en un realizador procedente de la publicidad, logrando empatizar con la auténtica esencia emocional de la juventud japonesa. Las maravillosas interpretaciones de Tsubasa Nakagawa y Itsuki Nagasawa vertebran todo el trasfondo dramático y sobrenatural hacia terrenos más mundanos, bañados por la parsimoniosa y fractal fotografía de Jam Eh I.
URA-AKA: L'AVENTURE
"Ura-Aka: L'Aventure" es el debut cinematográfico de Takuya Kato, protagonizado por Fuju Kamio y Kumi Takiuchi. Su estreno en Japón tuvo lugar el 12 de junio de 2020, tras ser premiada en Tsutaya Creators Program Film 2015, pero no sería hasta el 8 de septiembre de 2021 que pudimos disfrutar de su distribución física.
La significación lingüística que subyace de la expresión "Ura-Aka" —termino que hace referencia a cuentas ocultas, falsas o anónimas en redes sociales— se estrapola a su fuerza discursiva ante los tóxicos cánones de belleza que impera en el mundo de moda —reflejados perfectamente en el manga "Helter Skelter" (Kyoko Okazaki, 2003)— y en la superficialidad edadista que adolece en todos los ámbitos de la sociedad.
La preponderancia sexual rehúye de cualquier razón gratuita y banal hacia su valor impositivo como válvula de escape. Su traslación logra su simbiosis con la opresiva y poética fotografía de Naoya Ikeda y con la dupla interpretativa de Fuju Kamio y Kumi Takiuchi, desbordando su química por todos los poros de su piel. El hallazgo es descubrir en la prolífica carrera de Fuju Kamio una faceta más ligada al cine indie y de autor, alejada de los sofocantes doramas y producciones comerciales.
Durante la pasada edición del 27 Manga Barcelona, tuvimos el placer de asistir a la proyección de "Pompo: La magia del cine", la nueva cinta de animación de Takayuki Hirao para el estudio CLAP, basado en el manga de Shogo Sugitani —nominado a los Premios Manga Taishô 2018—.
El film se estrenó en Japón el 4 de junio y se ha presentado en festivales de la talla de Shangai, Golden Horse, Camera Japan, Sitges y Fantasia, mientras que a España llegará en 2022 de la mano de JONU MEDIA.
El director ha absorbido toda su experiencia anterior en la producción de "Millenium Actress" junto a una leyenda del nivel de Satoshi Kon para configurar una emocional oda al séptimo arte. En torno al desarrollo de la ficticia película "Meister", se construye un caleidoscopio enriquecedor en torno a la fuerza orgánica de la esfera cinematográfica como papel predominante en la búsqueda de los sueños.
La imaginativa y colorista animación de altos contrastes, junto a su particular y naif diseño de personajes, se imponen como figura antitética en las traslación de la importancia de su discurso. Todo gracias al descomunal trabajo vocal de Hiroya Shimizu, demostrando que no sólo es uno de los mejores actores de su generación, sino que posee un talento multidisciplinar, sumada a la sentida banda de Kenta Matsukuma.
OVER THE TOWN
Rikiya Imaizumi vuelve por tercer año consecutivo con "Over The Town", protagonizada por Ryuya Wakaba junto a Yuki Kura, Ryo Narita y Minori Hagiwara. El film se estrenó en Japón el 9 de abril de 2021 y se presentó en New York Asian Film Festival y Osaka Asian Film Festival.
El barrio de Shimokitazawa se vertebra como una célula independiente de la inabarcable y bulliciosa capital japonesa. La singular visión de su director se impregna en el libreto de Hiroyuki Ohashi ("On-Gaku") para conjugar a través del personaje interpretado elocuentemente por Ryuya Wakaba una realidad paralela orgánica a la expuesta en la maravillosa "Just Only Love", gracias al sustento de su arquitectura conversacional.
No solo es un evocador homenaje a sus calles, sino a toda actividad cultural realizada en ellas. La torpeza amorosa del protagonista lo sitúa en bares, tiendas vintage y conciertos —punto aparte es la vibrante actuación acústica de MahiTo The People de la banda GEZAN—. En especial, emana una oda a la cinematografía indie con referencias a los directores Hideo Jojo y Kazuyoshi Kumakiri, las películas "Randen" y "And Your Bird Can Sing" o la breve aparición de Yuki Kura y Ryo Narita.
Ahora sí, sin más preámbulos, pasemos a hablar de la razón de este artículo. Aquí llega nuestro Top 5 de las mejores películas de 2021.
5. PALABRAS QUE BURBUJEAN COMO UN REFRESCO
FICHA TÉCNICA → Estreno: 22 de julio de 2021 | Director: Kyôhei Ishiguro | Distribuidora: Netflix | Género: Romance, Animación
El pasado 22 de julio Netflix sorprendió con la incorporación a su catalogo, coincidiendo con el estreno en Japón, de "Palabras que burbujean como un refresco". El nuevo trabajo de Kyôhei Ishiguro ("Your Lie in April", "Occultic;Nine") para el estudio SIGNAL.MD, que se presentó en la 23ª edición del Festival Internacional de Cine de Shanghai.
En esta historia de chico-conoce-a-chica, la música cierra la brecha entre Cherry, un joven que es pésimo para comunicarse con los demás, y Smile, una joven que se esconde tras una mascarilla cuyos caminos se cruzan en un centro comercial suburbano de una ciudad provincial.Cherry siempre lleva los cascos puestos y plasma las emociones que es incapaz de transmitir a través de su pasatiempo, los poemas haiku. Por su parte, Smile, una vlogger popular que un día decide hacer un directo donde habla de su búsqueda de cosas bonitas, lleva una mascarilla para esconder sus grandes incisivos, razón por la cual lleva aparato dental.
La sensibilidad lingüística que florece del título de la película parte de un precioso haiku que refleja el alma interior de la misma. Su poética estructura se funde en su unión sincrética con la producción musical. El lirismo de sus versos hace imperceptible su belleza sin el bello vaivén inherente al rango de sus ondas sonoras. La palabra es el elemento por automasia de la comunicación. Para trascender de la introspección es necesaria su implementación mediante la trasmisión oral a la persona amada.
A pesar de su parsimonioso desarrollo, también ejerce una velada critica a la excesiva instauración tecnológica potenciada por la globalización —un axioma que ya adelanto hace más de 15 años Satoshi Kon con "Paranoia Agent"—. La sobredosis informativa de internet, ligada a la falsa superficialidad de la redes sociales, está bloqueando la percepción de la belleza de lo efímero. Al final, el formato analógico se cristaliza como depositario de la memoria colectiva, más allá de las virtudes de las plataformas digitales.
Al tratarse de una obra creada con motivo del 10ª aniversario de la discográfica FLYING DOG, su apartado musical impregna desde sus entrañas hacia su lenguaje diegético. La mirífica banda sonora de Kensuke Ushio retroalimenta el paisaje con la experimentación electrónica hacia su minimalismo pianístico en contraposición de los temas vocales de Never Young Beach y Taeko Onuki. Otro rasgo definitorio es animación policromática y saturada al más puerto estilo del Art Pop, heredero del trabajo de Masaaki Yuasa para SCIENCE SARU.
La voz como herramienta de expresión ejerce de leitmotiv durante toda la trama. Todo gracias al excepcional trabajo vocal de sus interpretes. La alabanza hay que buscarla en la elección para sus protagonistas de individuos alejados de la esfera de los seiyus. El bagaje dicotómico se alza en la experiencia fílmica de Hana Sugisaki y en la teatralidad kabuki de Ichikawa Somegorô VIII.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 26 de febrero de 2021 | Director: Yukiko Sode | Distribuidora: Colorbird | Género: Drama
Durante la pasada edición de Nippon Connection, tuvimos el placer de asistir a la proyección de "Aristocrats", la nueva película de Yukiko Sode, directora de "Good Stripes", que está basada en la novela "Ano Ko Ha Kizoku" de Mariko Yamauchi.
El film, protagonizado por Mugi Kadowaki, Kiko Mizuhara y Kengo Kora, se estrenó en Japón el 26 de febrero tras su paso por el festival de Tokio y Rotterdam. Por su parte, se ha presentado en JAPAN CUTS y ha sido premiada en los Kaneto Shindo y en Tama New Wave.
Su importancia no reside en su premisa, sino en la constitución de una deslumbrante disección de la sociedad japonesa en torno al papel de la mujer dentro de su ente patriarcal y tradicional. El prisma de realidades se imbuye por completo en su dicotomía dividida por la diferencia de clases y la concepción del género, más allá del elitismo y los prejuicios producidos en ambas caras.
Su argumento gira en torno a dos mujeres: Hanako Haibara y Miki Tokioka . La primera es una chica de ciudad que, tras ser abandonada por su novio, se dedica a buscar desesperadamente un hombre con el que casarse hasta que da con Kôichirô Aoki , un atractivo abogado. La segunda es una chica de pueblo que, tras esforzarse para entrar en una prestigiosa universidad de Tokio y pasar por dificultades económicas, está actualmente trabajando en una empresa de sistemas y tiene problemas con Kôichirô Aoki. Un día, y gracias a Kôichirô Aoki, los caminos de Hanako Haibara y Miki Tokioka se cruzan y, así, comienza esta historia de conflicto y liberación femenina en la clase alta.
Su importancia no reside en su premisa, sino en la constitución de una deslumbrante disección de la sociedad japonesa en torno al papel de la mujer dentro de su ente patriarcal y tradicional. El prisma de realidades se imbuye por completo en su dicotomía dividida por la diferencia de clases y la concepción del género, más allá del elitismo y los prejuicios producidos en ambas caras.
Su marcado cáliz feminista embulle el núcleo de todas sus enseñanzas, pero en ningún momento se culpabiliza la figura del hombre, sino que mediante un punto de vista empático como victima del propio sistema caduco, anclado en el pasado, ligado a su educación y situación familiar. La libertad solo se alcanza tras desprenderse del yugo que lo ata, gracias al poder revitalizador de la verdadera amistad, sin importar la condición ni el contexto de su endogénesis.
El prodigioso papel de Mugi Kadowaki, —posiblemente la mejor interpretación de su carrera— marcado por su inocencia y su ingenuidad de carga lumínica, es un diamante en bruto que alcanza su punto álgido al converger en el trascendental binomio formado por los excelentes Kiko Mizuhara y Kengo Kora, sin olvidar las breves pero apasionantes aportaciones de Shizuka Ishibashi, Takashi Yamanaka y Ryoka Minamide.
El excepcional trabajo de Yasuyuki Sasaki, residente en su melancólica fotografía, establece un nexo de concordancia desde su anterior muestra de excelencia en la sensacional "Georama Boy, Panorama Girl" hacia la significación emocional urbanística de la mastodóntica urbe tokiota. La conmovedora banda sonora de Takuma Watanabe repercute desde su musicalidad hacia su estadio diegético.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 18 de junio de 2021 | Director: Michihito Fujii | Distribuidora: Netflix | Género: Drama
La medalla de bronce es para "Una familia", la nueva película de Michihito Fujii ("The Journalist", "Day & Night", "We Are", "The Brightest Roof of the Universe"). El film llego a las salas japonesas el 21 de enero, tras su paso por 57ª edición del Festival de Cine Caballo de Oro de Taipei (TGHFF), y formó parte del catalogo global de Netflix a partir de 18 de junio de este año.
Su argumento gira en torno a Kenji Yamamoto (Gô Ayano), cuyo padre muere de sobredosis y eso le sume en un pozo de desesperación que le consume hasta tal punto que decide unirse a un sindicato del crimen. Allí conoce a su líder Hiroshi Shibasaki (Hiroshi Tachi), quien se aproxima a él y desarrolla una relación paterno-filial. Con el tiempo, Kenji forma su propia familia.
El Yakuza Eiga es un género autóctono de la cinematografía que hay potenciado leyendas del calibre de Seijun Suzuki o Kinki Fukatsu, marcado por el código de honor samurái dentro del tumultuoso universo de la terrible mafia japonesa. Con su coetánea en el tiempo "Under The Open Sky" contrasta una perspectiva diametralmente opuesta desde un humanismo enriquecedor hacia su supervivencia redentora.
La familia adquiere una resignificación transfiguradora en uno de los pilares de la sociedad japonesa. El clan ya no es una mera agrupación en la que organizarse en pos de la acción criminal, sino que se entronca como unidad de recogimiento de los desechados socialmente, guiados por un líder en clara representación paterna. La frialdad y la carecía empática se desdibuja por su esencia mundana. No obstante, la losa del pasado condiciona su presente y futuro hasta sus últimas consecuencias.
El clímax estilístico y expresivo alcanza su apogeo con la vuelta del tándem que conformó junto al prodigio técnico en la fotografía de Keisuke Imamura, quien ha vuelto a confiar con parte del equipo con el que brilló en "Yan" —especialmente con la iluminación de Tatsuya Hirayama—, marcado por su multiplicidad de planos imposibles, formatos y lentes hacia ese tono crepuscular tan característico. La sustanciosa banda sonora del reputado Taro Iwashiro le aporta ese clasicismo necesario.
Un vez mas, Go Ayano vuelve a demostrar que es uno de los mejores actores de su generación —a pesar de su escaso reconocimiento por La Academia Japonesa de Cine—. Una interpretación de toda una vida, capaz de confluir desde su ingenuidad primigenia a la total devastación emocional. La grandeza no radica en un solo actor, sino que sus alabanzas se comparten con su descomunal reparto. El resurgimiento de talentos olvidados como el de Machiko Ono y Hayato Ichihara, así como el sensacional trabajo de Hayato Isomura, alejado de terrenos más comerciales.
2. SPAGHETTI CODE LOVE
FICHA TÉCNICA → Estreno: 26 de noviembre de 2021 | Director: Takeshi Maruyama | Distribuidora: Happinet Phantom Films | Género: Drama
La medalla de plata la descubrimos durante la presente edición de
JAPAN CUTS. "Spaghetti Code Love" es el debut cinematográfico de Takeshi Maruyama, protagonizado por Yuki Kura junto a Toko Miura, Hiroya Shimizu e Yuzu Aoki. El film, presentado en Shanghái, Tokio y Vancouver, se estrenó en Japón el 26 de noviembre.
La historia gira en torno a 13 jóvenes dispares conectados por casualidad o circunstancia. Se cruzan mientras reflexionan sobre su lugar en el mundo y lidian con las presiones y angustias de la vida moderna en la ajetreada capital de Japón.
Entre ellos, se encuentran una cantante y compositora que renuncia a sus sueños, un escort que parece no poder encontrar el amor, una pareja de secundaria que piensa en el suicidio, un fotógrafo desesperado por triunfar y una trabajadora a tiempo parcial irremediablemente unida a un hombre casado.
El antecedente lingüístico del titulo hace referencia al termino
"Spaghetti Code" sobre la incomprensión desestructurada del código
fuente en los programas informáticos. La simbiosis se adhiere a la
representación del amor en su convulsión hacia su espectro caótico. La
narración hilvánala una compleja red hiperconectada entre las historias
personales de sus trece protagonistas.
La mastodóntica urbe tokiota no solo funciona como mero escenario del
desarrollo de la acción, sino que se emerge como una ecosistema
reconfigurador —al más puro estilo de "Short Cuts" (Robert Altman, 1993)— de los sueños, anhelos y los miedos inherentes en la juventud japonesa:
soledad, rechazo y la aceptación propia ligado al reciproco
entendimiento con el mundo exterior.
La prodigiosa y policromática fotografía de Chigi Kanbe transfigura
el lenguaje propio del videoclip —en su reminiscencia a su trabajo colaborativo con el director en
afamado videoclip viral "Labyrinth" del grupo MONDO ROSSO— junto al frenético montaje de Kousuke Nakazato en la
construcción de su atmosfera. Toko Miura trasciende su papel de
cantautora abatida en su ondulante tema principal "Never",
apoyado por la sentida banda sonora de la empresa musical Audioforce.
Debido al peso narrativo compartido por los 13 personajes, el reparto
es genuinamente coral. Ningún actor brilla por encima del otro, sino que
cada uno le aporta su granito de excelencia. Sobre todo, la brillante
elección en el casting de interpretes prácticamente desconocidos —incluso algunos llegados del mundo del modelaje—, donde el más reconocido es Hiroya Shimizu. Si hubiera que elegir un papel, sin duda seria el desgarro orgánico
de Yuki Kura —alzándose no solo como una desbordante promesa, sino como uno de
los mejores actores del año—.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 5 de junio de 2021 | Director: Isao Yukisada | Distribuidora: Colorbird | Género: Drama
Isao Yukisada después de 2 años vuelve a encabezar nuestro top con el live action "The Cornered Mouse Dreams Of Cheese", basado en el BL de Setona Mizushiro. El film se estrenó en Japón el 11 de septiembre de 2020, pero pudimos disfrutarla en junio de 2021 en la edición online del Japanese Toronto Film Festival.
Su argumento gira en torno a Kyôichi Ôtomo (Tadayoshi Okura), cuyo carácter indeciso le ha llevado a cometer adulterio en más de una ocasión. Un día, Wataru Imagase (Ryô Narita), un antiguo compañero de la universidad al cual no ha visto desde que se graduaron, se presenta ante él y le revela que es un detective privado, contratado por su esposa para investigar su infidelidad. Sin embargo, Imagase le propone un trato: él no le contará nada a su esposa sobre sus líos de faldas si, a cambio, puede disponer del cuerpo de Ôtomo.
Ante está premisa en torno al doble juego de espías con la infidelidad como eje central, se ahonda en la dañina problemática de la falsa bisexualidad que retrotrae a grandes clásicos del cine queer como "My Own Private Idaho" (1991, Gus Van Sant).
El dolor causado por el rechazo idiosincrásico a la condición sexual traspasa cualquier lógica en la articulación romántica, cuyas reminiscencias conducen a su antecedente asiático "Happy Together" (Wong Kar-Wai, 1997).
Gran parte de la filmografía del cineasta siempre se ha caracterizado lirismo sugestivo y su sentida sutileza en el tratamiento carnal. Pero desde la excepcional "River's Edge" (2018) ha ido evolucionando paulatinamente hacia posiciones más cercanas al pinku eiga.
El desnudo masculino se desprende de todos los tabús y prejuicios inherente en la mentalidad tradicional nipona hacia la álgida representación explicita del sexo, un estadio totalmente novedoso jamás experimentado en el cine japonés. Ese carácter de apariencia lasciva y erótica tiene una mayor carga dramática que cualquier plañida línea de dialogo. Una fuerza dominadora del relato que sin ella no se lograría su comprensión.
Todo esa ambivalencia sexual se ejemplariza en los altos contrastes definitorios que subyacen de la reclusiva y estremecedora fotografía de Takahiro Imai, cuyas cálidas y taciturnas tonalidades retrotraen a su anterior trabajo en "Town Without Sea". Por su parte, el director ha vuelto a contar una vez más con la grandeza musical de Yoshihiro Hanno. Su banda sonora es imperceptible en su totalidad, pero arrolladora en su concepción.
La descarnada y desoladora interpretación de Ryo Narita —posiblemente el mejor papel de su breve, pero apasionante carrera— a través de su fragilidad encapsula todos los errores y bondades de la misma hacia su máxima expresión. Una pena que no acompañe el resto del reparto, marcada por la dudosa y mejorable elección del casting. La razón de la opción de Tadayoshi Okura es comprensible por su fama como idol, pero que termina lastrando por su sobreactuación.
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