CRÓNICA: 20º NIPPON CONNECTION [2ª PARTE]
En la primera entrega, comenzamos a contaros nuestra experiencia en el 20º Nippon Connection. Hoy es hora de poner punto y final a este relato con la última entrega de nuestra aventura. Así que, sin más preámbulo, toma asiento y sumérgete con nosotros en esta crónica.
"Shell and Joint" es el esperado debut cinematográfico de Isamu Hirabayashi. El film, presentado en festivales del calibre de Rotterdam, Moscú, Slamdance, AFF Barcelona y Göteborg, se estrenó el 27 de marzo de 2020 en Japón.
La historia gira en torno a Nitobe (Keisuke Horibe) y Sakamoto (Mariko Tsutsui), dos amigos de la infancia que ahora trabajan en la recepción de un hotel cápsula. Nitobe tiene una afición particular por la filosofía y los crustáceos. Sakamoto, mientras tanto, está obsesionada con el suicidio. El hotel cápsula atrae a una variedad de huéspedes, incluida una madre finlandesa que ha perdido a su hijo, una mujer fugitiva y un investigador que estudia a la Daphnia. Ninguna de sus vidas se han entrelazado. Tampoco ninguna de las vidas salen de eso. Existen, pero nunca se cruzan, como las células en un hotel cápsula. Con los crustáceos como leitmotiv, los temas de la vida y la muerte se exploran a través de una visión fragmentaria de la vida de los personajes.
"Shell and Joint" es un excéntrico y singular ejercicio fílmico, donde un hotel cápsula ejerce de centro capitalizador de los más singulares especímenes que dan forma a ese particular ecosistema en el que la difusa línea que separa la humanidad y las leyes arbitrarias de la naturaleza se desvanece por completo. Los invertebrados —ya sean crustáceos, antrópodos o insectos de diversa índole— son el reflejo intrínseco de temas tan trascendentales como la muerte, el sexo, la individualidad, la espiritualidad o el existencionalismo. La vuelta al primigenio sensorial en antítesis a una sociedad moderna cada vez más desnaturalizada.
LIFE TURNED UPSIDE DOWN: MY DAD'S AN ALCOHOLIC
"A Life Turned Upside Down: My Dad's an Alcoholic" es la esperada nueva película de Kenji Katagiri, director de "Room Laundering" y el dorama del BL "What Did You Eat Yesterday?". El film, basado en el webcomic biográfico de Mariko Kikuchi, se estrenó en Japón de marzo 6 de 2020.
Desde que Saki (Honoka Matsumoto) era una niña, su padre, Toshifumi (Kiyohiko Shibukawa), bebe alcohol casi todos los días. A menudo invitaba a sus amigos a casa y jugaba al Mahjong, fumaba y bebía alcohol toda la noche. La vida diaria de la joven giran en torno a la misma rutina. Por su parte, su madre (Rie Tomosaka) era una devota creyente de un culto religioso, por lo que siempre se encargaba de cuidar de su padre. Todo cambia cuando ella se suicida. Mientras su familia se está desmoronando, Saki solo busca encontrar un futuro más brillante y esperanzador.
Kenji Katagiri vuelve a demostrar su especial tacto en adaptar cualquier tipo de manga, sin importar su formato o su demografía, partiendo de todos los mecanismos que puede ofrecer la comedia para representar una problemática tan terrible e instaurada en la sociedad japonesa como es el alcoholismo dentro del seno familiar, llegando incluso a establecer certeras analogías con las sectas religiosas que sobrevuelan la mente colectiva nipona.
La excelsa dupla interpretativa que se marca Honoka Matsumoto y Kiyohiko Shibukawa superdita cualquiera de sus rasgos definitorios, donde ese halo antitético convulsiona en un oxímoron formulado por el odio y el afecto paternal vinculado al nexo indivisible e irrehusable de la familia.
FORGIVEN CHILDREN
"Forgiven Children" es el último film de Eisuke Naito, que está basada en los los perturbadores hechos reales del conocido como "El asesinato de la colchoneta de Yamagata" de 1993 y el brutal asesinato de un estudiante en Kawasaki en 2015, donde ambos crímenes fueron llevados a cabo por menores de edad. Su estreno en Japón tuvo lugar el 1 de junio de 2020.
Kira Ichikawa (Yu Uemura) es el líder de un grupo de muchachos delincuentes de primer año de secundaria, quienes solían intimidar a su compañero de clase Isuki Kuramochi (Shosei Abe) a diario. El bullying aumenta y termina asesinándolo. En un principio lo confiesa la policía, pero su madre, Mari (Kuroiwa Yoshi), lo persuade para negar la culpa de su hijo. Más tarde, el tribunal de menores le declara inocente a través de la cláusula la 'no disposición', cuya decisión es fuertemente criticada de manera pública. Mientras tanto, la familia de la víctima decide presentar una demanda civil contra los responsables.
Supone el retorno a la escena independiente de Eisuke Naito tras las aclamadas adaptaciones de los mangas "Liverleaf", "Litchi Hikari Club" y "Funohan". La extrema y explicita violencia vuelve a ser su seña de identidad, donde coexiste una relación semisimbiótica con "Mother" (Tatsushi Omori, 2020) en torno a los abusivos y tóxicos lazos maternales. El crimen subyace de la problemática originada del bullying y en los estragos producidas en las diferentes personas implicadas.
El verdadero acierto es la elección de su elenco actoral, practicamente desconocido, profundizando en su reflexivo mensaje sobre la injusticia que subyace de la ley del menor y en la casuística emocional del perpetrador.
MRS. NOISY
"Mrs. Noisy" es la nueva película de Chihiro Amano, directora de "Confessions of Figaro" y "All Is Vanity", y con un reparto formado por Yukiko Shinohara, Yoko Ootaka, Takuma Nagao, Taichi Miyazaki, Takashi Miwa y Junya Abe.
La premiere mundial tuvo lugar en la sección Japanese Cinema Splash del Festival Internacional de Tokio y fue galardonada con el premio del público en JAPAN CUTS.
La historia gira en torno a una novelista y su ruidosa vecina que desarrollan una enemistad que capta la atención de la máquina de indignación de las redes sociales. A partir de entonces, se desata una vorágine mediática que las cambiara para siempre.
Chihiro Amano se aleja diametralmente de sus adaptaciones previas, como las encontradas en el BL "No Touching At All", para adentrase en una ecuánime representación de las diversas caras de la disputa vecinal. Cada una de sus vertientes tiene sus luces y sombras propiciadas por el bloqueo creativo y emocional incapaz de reflejarlo en sus postulados. Hasta que la empatía no haga acto de presencia contra el egoísmo, marcado por el constante escarnio hacia el diferente, sin importar las consecuencias y su trágico pasado.
El ruido que se transfiere de la pérdida puede ser símbolo de la destrucción vital hacia su alejamiento vinculante a su alto grado de culpabilidad al prevalecer el éxito y el trabajo por encima de lo más importante: la familia.
"After the Sunset" es la nueva película de Michio Koshikawa, directora de "Areno – The Wilderness" y reputada "Life and Death On the Shore".
El film, cuyo reparto está formado por Shihori Kanjiya, Maho Yamada, Towa Matsubara, Masaru Nagai y Satoru Kawaguchi se estrenó en Japón el pasado 8 de noviembre de 2020.
El pequeño Towa vive con sus padres Satsuki y Yuichi en una ciudad costera de Nagashima. Yuichi es un pescador y Satsuki dirige un restaurante. Lo que Towa no sabe es que es adoptado. Cuando era bebé, fue abandonado en un cibercafé, completamente demacrado. Mientras sus nuevos padres luchan secretamente por la custodia de él, quieren protegerlo de su pasado. La felicidad de la familia comienza a flaquear, ya que Satsuki y Yuichi no son los únicos preocupados por el futuro de Towa.
"After the Sunset" transita senderos comunes a la obra de Hirokazu Kore-eda y, más recientemente en "Madres verdaderas" (Naomi Kawase, 2020) en torno a la dolorosa dicotomía en torno los lazos de sangre vinculada a maternidad y la pertenencia familiar transgresora a la consanguinidad. Se aleja diametralmente de los sobreexplotados entornos urbanos como búsqueda de horizonte esperanzador en una ecosistema entrópico distante de toda esa putrefacta contaminación, donde su armoniosa comunidad, centrada en sus creencias y costumbres, convergen como una unidad indivisible a la de sus habitantes.
La evocadora fotografía de Yoshihisa Toda y la delicada banda sonora de Nobuyuki Kikuchi construye ese bucólico paisaje en el que a partir de la ternura que emana de Towa Matsubara confluye la sinérgica lucha de sus dos madres —con unas excelentes Shihori Kanjiya y Maho Yamada—, cuyo alumbramiento se origina tras el atardecer.
LABYRINTH OF CINEMA
"Labyrinth of Cinema" es la última película del legendario cineasta de culto Nobuhiko Obayashi, fallecido el mes pasado a raíz del cáncer que padecía desde 2016.
El film se presentó en el festival de Tokio dentro de la retrospectiva dedicada a su carrera, previo a su estreno en Japón del 31 de julio, y en Far East Festival, JAPAN CUTS y Rotterdam. Por su parte, la cinta ha sido galardonada en Yokohama Film Festival, y en los premios Kinema Junpo y TAMA.
La historia gira en torno a tres jóvenes (Takuro Atsuki, Takahito Hosoyamada y Yoshihiko Hosoda), que tras acceder a un viejo teatro en la actual Onomichi, son transportados de regreso a 1945, justo antes del bombardeo atómico de Hiroshima.
Siguiendo la estela de la soberbia oda antimilitarista "Hanagatami" (2017), el cineasta siguió luchando hasta su último suspiro en la formulación de su testamento vital. Las poderosas reminiscencias a "Millenium Actress" (Satoshi Kon, 2001) trascienden en este transcendental laberinto fílmico, donde la realidad y la ficción se entremezclan con la historia militar japonesa inherente en su filmografía en pos de trasmitir su poderoso mensaje pacifista y el de la verdadera fuerza totalizadora del cine.
La inabarcable duración, unida a su frenético y alterado montaje, marcado por su multiplicidad incasable de planos, sumado a la artificiosidad de la sobreexposición del croma, cargado de su cromatismo suprasaturado, no lo conduce en ningún momento al agotamiento. La particular visión de cierto modo teatral lo transfigura hacia el surrealismo más luminoso y catártico.
FLOWERS & RAIN
"Flowers & Rain" es el debut cinematográfico de Takafumi Tsuchiya, basado en el álbum homónimo del rapero SEEDA. El film, cuyo reparto está formado por Show Kasamatsu, Ayaka Onishi, Chihiro Okamoto, Ozuno Nakamura y Kyohei Mitsune, se estrenó en Japón el pasado 17 de enero.
La infancia fue complicada para Yoshida y se enfrenta a la sociedad japonesa como un extraño después de su regreso de Londres junto a sus padres. Se siente desplazado y frustrado, pero pronto encuentra una nueva fuerza a través del hip-hop. Bajo el nombre de SEEDA, comienza a rapear y vende drogas para producir su música mientras sobrevive en Tokio. Cuando se da cuenta de que su nueva vida como rapero no puede deshacer las conexiones con su familia, es demasiado tarde.
A pesar de todas las similitudes y paralelismos con su referente americano —Eminen y su "8 millas"— en torno al tormentoso y sacrificado camino para labrarse un nombre dentro de un terreno tan cerrado como es el mundo del Hip-hop, donde el egoísmo abre la puerta al mundo de las drogas hacia un punto de no retorno. La principal diferencia radica en la visión desde la perspectiva japonesa de la problemática del racismo y la apropiación cultural. La semilla de la redención germinará tras la tempestad originada por la pérdida de un ser querido.
Los raps de SEEDA sirven de hilo conductor de toda la narración a partir de sus letras hasta la perfecta cohesión con la emocional banda sonora y su correlación con la descorazonadora y fría fotografía, capturada por el especial tacto de Makoto Tajima, y el buen hacer de su reparto interpretativo.
SHAPE OF RED
"Shape of Red" es la nueva película de Yukiko Mishima ("The Antique", "Dear Etranger", "A Drop of the Grapevine"), basada en la novela de Rio Shimamoto. Su estreno en Japón tuvo lugar el 21 de febrero de 2020.
Su argumento gira en torno a Toko Suguri (Kaho), una mujer casada con Makoto Suguri (Shotaro Mamiya), con el que tiene una hija encantadora y vive una vida sin grandes preocupaciones. Un día, en la boda de una amiga, se reencuentra con su ex-amante Akihiko Kurata (Satoshi Tsumabuki), a quien no veía desde hace hace diez años. A partir de entonces, Toko comienza una tórrida y apasionada aventura amorosa con Akihiko.
Yukiko Mishima reconfigura en su forma más genuina el paisaje proteico que subyace de un tema tan manido como es la infidelidad, ya sea dentro del seno familiar como en su esfera exógena. Las altas dosis de sexualidad y erotismo que emana de su pasión carmesí se tiñen de su tono más devastador, producido por la incapacidad de aceptar los verdaderos sentimientos propios con el fin de construir una falsa vida sustentada en la comodidad hasta alcanzar una revelación tardía y dolorosa.
La policromática y cuidada fotografía de Shin'ya Kimura ensambla el encuadre de su apogeo interpretativo. Los notables secundarios Shotaro Mamiya y Tasaku Emoto sirven de fuertes pilares en la que se sustenta la emocional y angustiosa actuación de Kaho. Un nombre que eclipsa todo su horizonte es el de Satoshi Tsumabuki —ofreciendo posiblemente una de los mejores papeles de toda su carrera—, donde cada melancólica mirada y gesto de amor convulsiona el corazón más fuerte.
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