TOP 5 MEJORES PELÍCULAS 2019
En los diversos certámenes españoles hemos podido disfrutar de títulos del calibre de "We Are Little Zombies", de Makoto Nagahisa; o "El Crisantemo y la guillotina", de Takehisa Zeze. También hay que destacar estrenos en nuestro país como "Jesus", de Hiroshi Okuyama (La Aventura); "Mirai", de Mamoru Hosoda (A Contracorriente); o la co-producción chino-japonesa "La ceniza es el blanco más puro", de Jia Zhang-ke.
Entre otros largometrajes que no han llegado a nuestro país, podemos encontrar varios live-action basado en mangas y light novels licenciados en España como "Shino no es capaz de decir su propio nombre" (Milky Way), de Hiroaki Yuasa; o "You Shine in the Moonlight" (Norma Editorial), de Sho Tsukikawa. Otro títulos que nos gustaría señalar son el drama LGBT+ "No Matter How Much My Mom Hates Me", de Osamu Minorikawa; o "A Long Goodbye", de Ryota Nakano; además de "Parallel World Love Story", de Yoshitaka Mori. Otro punto aparte ha sido Michihito Fuji con "We Are" y "The Journalist".
En Hikari No Hana hemos realizado una clasificación con los que, a título personal, han sido las mejores películas de 2019, aquéllas que más nos han llamado la atención y más nos han cautivado.Hemos visto una gran cantidad de película a lo largo de este año, y, aunque muchas de ellos tenían su encanto, no todos han podido entrar en el top.
No obstante, antes de hablar de nuestro top 5, nos gustaría detenernos a recordar aquellos largometrajes, que lamentablemente no ha llegado a nuestro país ni a ninguno de nuestros festivales, se merecen una mención especial.
DINER
La directora y reputada fotógrafa Mika Ninagawa ha tardado casi 7 años tras el aclamado live-action "Helter Skelter" —basado en el manga de Kyoko Okazaki, cuya reseña podéis leer aquí— en volver a presentar una nueva producción cinematográfica. "Diner" supuso el primer paso que continuaría con el biopic sobre Ozamu Dazai, "Indigno del ser humano", estrenado el pasado mes de septiembre, y la serie para Netflix, "Followers". La premiere española tuvo lugar el pasado mes de noviembre en el festival malagueño Fancine.
La directora adapta la novela de Yumeaki Hirayama y posterior manga de Takanori Kawai para deleitarnos con un suculento banquete al mas puro estilo de "John Wick" en torno al empoderamiento femenino, donde la protagonista, brillantemente interpretada por Tina Tamashiro, —le valió el premio en los Hochi Awards—, se enfrenta a un mundo totalmente patriarcal dominado por hombres. Su vida peligra cuando se ve obligada a trabajar en un restaurante para el misterioso Bombero. Lo peor es cuando se da cuenta de que tendrá que convivir con sicarios, cuyo excelso reparto desborda carisma por todos los costados. Nos encontramos ante un espectáculo visual en toda regla, apoyado principalmente en el excepcional bagaje artístico de la Ninagawa fotógrafa, focalizádonde en el director de fotografía Daisuke Soma, con el que ya colaboró en "Helter Skelter". La electrizante música de Shinichi Osawa será la guinda del pastel.
LOVE AT LEAST
La segunda mención especial recae sobre uno de los debuts cinematográficos más apasionantes del año, "Love at Least", también conocido en Japón como "Ikiteru dake de, ai". Pese a su estreno el pasado noviembre de 2018, donde fue galardonada su protagonista Shuri por su desgarrador papel en los premios de La Academia Japonesa de Cine, llegó a occidente en diversos certámenes internacionales como Nippon Connection, Raindance Film Festival, Camera Japan o Japanese Film Festival de Australia. Lamentablemente en nuestro país no se ha podido ver hasta la fecha.
Sekine nos brinda otro de los debut más prometedores del año. La historia, basada en en la novela homónima de Yukiko Motoya, se adentra en la difícil situación que tiene vivir un persona que sufre las llamadas "enfermedades silenciosas". En su caso, padece hipersonmnia —enfermedad del trastorno del sueño— y, al igual que la depresión y cualquier enfermedad de carácter mental, tiene que soportar una pesada carga: el rechazo de una sociedad que no la entiende. La frustración y el desasosiego de no controlar su cuerpo le origina un auténtico aislamiento afectivo y serios problemas de autoestima que le están carcomiendo por dentro. Pese a que Masaki Suda nos brinda un registro nada habitual y demuestra su talento más allá del cine comercial, la que lleva las riendas de toda la carga dramática es la descarnada interpretación de Shuri. Al final ella, pese a todos los obstáculos y al deterioro social y personal que le depara la vida, sólo busca seguir adelante. La sobrecogedora banda sonora de Hiroko Sebu será un medio más par abrir nuestros ojos ante esa terrible enfermedad.
FAREWELL SONG
Continuamos en nuestro repaso a las menciones especiales con "Farewell Song", la esperada nueva película de Akihiko Shiota. Su estreno tuvo lugar el 31 de mayo de 2019 y ha sido presentada en diversos certámenes internacionales del calibre de Tokio, Hawai, Shanghai o Japanese Film Festival de Viena. Lamentablemente no ha llegado a nuestro país.
Shiota, más conocido en nuestro país por el live-action "Dororo" —basado en el manga de Osamu Tezuka—, se adentra es terrenos nada habituales en su filmografía. A partir de un guión original propio, construye una road movie que gira en torno al mundo de la música y que sirve de trasfondo para relatar un complejo triángulo amoroso. Sigue patente parte de los ideales que han caracterizado parte de su cinematografía, ofreciendo una nueva aproximación a la escena rock japonesa. La estrecha conexión entre sus miembros, aparentemente inquebrantable, con unas increíbles interpretaciones de Mugi Kadowaki y Nana Komatsu, puede llegar a diluirse por algo tan superfluo: el interés romántico en torno al roadie, demostrando una vez más que es el año de Ryo Narita —le valió el premio de Mejor Actor Revelación en los Nikkan FIlm Awards y Mejor Actor Secundario en los Hochi Awards—. Sobre todo es la demostración de la música como elemento catártico de las relaciones humanas.
Shiota, más conocido en nuestro país por el live-action "Dororo" —basado en el manga de Osamu Tezuka—, se adentra es terrenos nada habituales en su filmografía. A partir de un guión original propio, construye una road movie que gira en torno al mundo de la música y que sirve de trasfondo para relatar un complejo triángulo amoroso. Sigue patente parte de los ideales que han caracterizado parte de su cinematografía, ofreciendo una nueva aproximación a la escena rock japonesa. La estrecha conexión entre sus miembros, aparentemente inquebrantable, con unas increíbles interpretaciones de Mugi Kadowaki y Nana Komatsu, puede llegar a diluirse por algo tan superfluo: el interés romántico en torno al roadie, demostrando una vez más que es el año de Ryo Narita —le valió el premio de Mejor Actor Revelación en los Nikkan FIlm Awards y Mejor Actor Secundario en los Hochi Awards—. Sobre todo es la demostración de la música como elemento catártico de las relaciones humanas.
JUST ONLY LOVE
La siguiente mención especial corresponde ni mas ni menos que "Just Only Love", la esperada nueva película de Rikiya Imaizumi. El film, estrenado el 19 de abril de 2019, tuvo la premiere mundial en el festival de Tokio y se han podido ver en certámenes internacionales del calibre de Hawai, Japanese Film Festival de Australia y Camera Japan.
Imaizumi, todo un destacado realizador de la esfera independiente japonesa, adapta la novela de Mitsuyo Kakuta, ganador del Premio Naoki, —el mismo autor de la maravillosa "Pale Moon"—. La totalidad de su filmografía gira en torno a las relaciones románticas. En esta ocasión, trasciende la obra original para brindarnos un relato único. Se despoja de cualquier artificio y florituras, ya sea efectos especiales, grandilocuentes bandas sonoras o bellos planos fotográficos, para centrarse casi por completo en la pareja protagonista, donde la química desbordante entre Yukino Kishii y Ryo Narita es capaz de traspasar la pantalla —ambos fueron premiados en los TAMA Awards—. Por no hablar del completo apoyo a los protagonistas por parte del impresionarte reparto de secundarios, en especial, Mai Fukagawa y Noriko Eguchi, que en su máxima expresión le aportan una cotidianidad armoniosa a la historia.
CHIWAWA
Terminamos nuestras menciones especiales con otro live-action basado en la obra de de Kyoko Okazaki. Este esta ocasión es sobre un manga más desconocido de su bibliografía, "Chiwawa". El film, estrenado el 18 de enero de 2019, se ha presentado en certámenes internacionales del calibre de Fantasia.
Ken Ninomiya se embarca en su primera producción de gran presupuesto más allá del panorama independiente. El realizador ha conseguido reformular los elementos temáticos y artísticos vistos en su película más aclamada, "The Limit of Sleeping Beauty", gracias principalmente a contar con el mismo director de fotografía, Daisuke Soma —el mismo del live-action "Helter Skleter"—, para impregnarse por completo de la esencia del estilo de la autora original. Gracias a esa acelerada y alucinógena fotografía cargada por el uso de múltiples lentes, filtros sobresaturados y planos frenéticos al más puro estilo de "Réquiem por un sueño". El verdadero valor de la narración es la inteligente manera de trasladar el lado oscuro de la juventud japonesa, visto por ejemplo en "River's Edge", en la época actual. El lienzo generacional que retrata no sería posible sin el deslumbrarte reparto, en el que no hay nadie que brille especialmente, ya que es un perfecto complemento entre todos.
Ahora sí, sin más preámbulos, pasemos a hablar de la razón de este artículo. Aquí llega nuestro Top 5 de mejores animes de 2019.
5. HOT GIMMICK
FICHA TÉCNICA → Estreno: 23 de diciembre de 2019 | Director: Yuki Yamato | Distribuidora: Netflix | Género: Drama, Romance
El pasado 23 de diciembre Netflix sorprendió a los amantes del cine japonés con la proyección de "Hot Gimmick: Chica conoce a chico", el esperado nuevo live-action de Yuki Yamato. El film ha sido galardonado en la 11ª edición de los TAMA Awards al Mejor Actor Revelación para uno de sus co-protagonistas, Hiroya Shimizu.
Se trata de adaptación del manga de Miki Aihara, publicado en diciembre del 2000 en la revista Betsucomi y más tarde en mayo de 2001 compilado en 12 tomos por la editorial SHOGAKUKAN. En España fue editado por parte de PLANETA CÓMIC en abril de 2008. También existe una novela ligera con un final alternativo.
Su argumento está protagonizado por Hatsumi Narita (Miona Hori), una estudiante de secundaria normal y corriente que vive con su encantador hermano mayor Shinogu (Shotaro Mamiya), su alegre hermana pequeña Akane (Hiyori Sakurada) y sus padres en un bloque de apartamentos. Un día, deja que Ryoki Tachibana (Hiroya Shimizu), que vive en el mismo edificio que ella, se aproveche de ella y, desde entonces, Ryoki le chantajea para que haga lo que él quiera. Azusa Odagiri (Mizuki Itagaki), amigo de la infancia de Hatsumi, regresa al vecindario. Ahora, Azusa es un popular modelo y las cosas entre Hatsumi y él siguen siendo tan buenas como siempre. Hatsumi se siente atraída por Azusa y, a pesar de los intentos de Ryoki por sabotear la relación, ambos empiezan a salir juntos. Hatsumi está encantada de la vida, pero Azusa oculta algo.
Yuki Yamato demuestra su experiencia como realizadora, no sólo en su anterior live-action "Oboreru Knife", sino especialmente del cine independiente juvenil y, sobre todo, en el rodaje de diversos videoclips, en especial "Hikari" de RADWIMPS, del cual bebe en gran parte del metraje. El punto cardinal es el montaje y la luminosa fotografía del reputado Keisuke Imamura a través de una serie de bellos planos detalle, así como panorámicos, urbanos y cenitales, capaces de adentrase en la psicología de los personajes. La música de Hidekazu Sakamoto se complementa en las partituras clásicas de los grandes maestros y en más modernas de la rapera Izumi Makura.
La cineasta consigue despojarse de todos los tópicos que siempre se ha vinculado a este tipo de producciones románticas. El amor idealizado no existe; una vez que la protagonista logre superar la infranqueable barrera de la ingenuidad, descubrirá que está inmersa en la toxicidad que sólo le produce sufrimiento al contaminarse con el nexo familiar. Al final, por encima de todo ese dolor, está nuestro destino: la persona que verdad amamos.
Pese a ser el debut de la idol Miona Hori, hace un papel más que solvente; no obstante, gran parte de la carga emocional descansa sobre el plantel masculino, en especial, Hiroya Shimizu, donde nos abre su corazón lleno de dolor, angustia y cariño. También es todo un descubrimiento, pese a su brevedad, la inocencia de Kaisei Kamimura, quien curiosamente participo junto a Shimizu en "El mundo de Kanako", regalándonos una interpretación diametralmente opuesta.
En definitiva, nos encontramos ante un relato enrevesado marcado por una narración totalmente confusa y dispersa, potenciado por su ágil montaje y fotografía. Pero, a fin de cuentas, ¿qué es amor, sino un sentimiento que nos hace cometer los mayores errores de nuestra existencia solo con el objetivo de ser correspondidos? Solemos pensar que el sexo es la mayor demostración romántica, pero al final, sólo buscamos huir de la solead que azota nuestros corazones.
La historia nos pone en la piel de Shinichi, un joven desempleado, marcado por la catástrofe de Fukushima, el cual no tiene un hogar al que volver. Ante esta situación, el chico está al borde del suicidio hasta que encuentra a Tetsuro, un experimentado trabajador que perdió a su hijo de la misma edad que el joven. El hombre le ofrece vivir con él y pronto desarrollarán una estrecha relación padre-hijo, a pesar de los profundos y recónditos secretos que esconden.
Nanako Hirose siempre ha estado en un segundo plano como asistente de dirección para directores del calibre de Hirokazu Kore-eda ("De tal padre, tal hijo", "Nuestra hermana pequeña") y Miwa Nishikawa. Bajo el amparo de su productora BUN-BUKU se emancipa con un humilde pero desbordante debut cinematográfico. Se desprende de cualquier artificio pomposo, con una fotografia torpe e inexperta en apariencia de Hiroki Takano, cuya cámara en total movimiento adquiere el fin de representar el devastador desasosiego del protagonista, con una de las mejores interpretaciones de Yuya Yagira desde "Nadie sabe", —curiosamente otro film de Kore-eda, con el que comparte tanto el trasfondo emocional y temático como su productora Asako Nishikawa—, y en especial en su relación con su "nuevo padre" Kaoru Kobayashi . Se forma un círculo vicioso que une el primer con el último fotograma como metáfora en torno a la huida hacia un futuro mejor. Más allá de cualquier culpa, somos incapaces de escapar. La música de Tara Jane O'Neil es apenas imperceptible, pero sus notas se clavarán en lo más profundo de nuestro ser.
En definitiva, Nanako Hirose aprueba con nota en esta reinterpretación de la familia, donde dos almas perdidas sin ningún lazo de sangre, intentan construir una relación paterno-filial con el objetivo de borrar todos los errores del pasado, poder olvidar y apaciguar el sufrimiento. Al final, pese a todos nuestros esfuerzos, la vida es un capricho del destino, y la culpa nos azotará hasta los últimos momentos de nuestra vida.
Se trata de adaptación del manga de Miki Aihara, publicado en diciembre del 2000 en la revista Betsucomi y más tarde en mayo de 2001 compilado en 12 tomos por la editorial SHOGAKUKAN. En España fue editado por parte de PLANETA CÓMIC en abril de 2008. También existe una novela ligera con un final alternativo.
Su argumento está protagonizado por Hatsumi Narita (Miona Hori), una estudiante de secundaria normal y corriente que vive con su encantador hermano mayor Shinogu (Shotaro Mamiya), su alegre hermana pequeña Akane (Hiyori Sakurada) y sus padres en un bloque de apartamentos. Un día, deja que Ryoki Tachibana (Hiroya Shimizu), que vive en el mismo edificio que ella, se aproveche de ella y, desde entonces, Ryoki le chantajea para que haga lo que él quiera. Azusa Odagiri (Mizuki Itagaki), amigo de la infancia de Hatsumi, regresa al vecindario. Ahora, Azusa es un popular modelo y las cosas entre Hatsumi y él siguen siendo tan buenas como siempre. Hatsumi se siente atraída por Azusa y, a pesar de los intentos de Ryoki por sabotear la relación, ambos empiezan a salir juntos. Hatsumi está encantada de la vida, pero Azusa oculta algo.
Yuki Yamato demuestra su experiencia como realizadora, no sólo en su anterior live-action "Oboreru Knife", sino especialmente del cine independiente juvenil y, sobre todo, en el rodaje de diversos videoclips, en especial "Hikari" de RADWIMPS, del cual bebe en gran parte del metraje. El punto cardinal es el montaje y la luminosa fotografía del reputado Keisuke Imamura a través de una serie de bellos planos detalle, así como panorámicos, urbanos y cenitales, capaces de adentrase en la psicología de los personajes. La música de Hidekazu Sakamoto se complementa en las partituras clásicas de los grandes maestros y en más modernas de la rapera Izumi Makura.
La cineasta consigue despojarse de todos los tópicos que siempre se ha vinculado a este tipo de producciones románticas. El amor idealizado no existe; una vez que la protagonista logre superar la infranqueable barrera de la ingenuidad, descubrirá que está inmersa en la toxicidad que sólo le produce sufrimiento al contaminarse con el nexo familiar. Al final, por encima de todo ese dolor, está nuestro destino: la persona que verdad amamos.
Pese a ser el debut de la idol Miona Hori, hace un papel más que solvente; no obstante, gran parte de la carga emocional descansa sobre el plantel masculino, en especial, Hiroya Shimizu, donde nos abre su corazón lleno de dolor, angustia y cariño. También es todo un descubrimiento, pese a su brevedad, la inocencia de Kaisei Kamimura, quien curiosamente participo junto a Shimizu en "El mundo de Kanako", regalándonos una interpretación diametralmente opuesta.
En definitiva, nos encontramos ante un relato enrevesado marcado por una narración totalmente confusa y dispersa, potenciado por su ágil montaje y fotografía. Pero, a fin de cuentas, ¿qué es amor, sino un sentimiento que nos hace cometer los mayores errores de nuestra existencia solo con el objetivo de ser correspondidos? Solemos pensar que el sexo es la mayor demostración romántica, pero al final, sólo buscamos huir de la solead que azota nuestros corazones.
4. MUTAFUKAZ
FICHA TÉCNICA → Estreno: 25 de abril de 2019 | Director: Shojiro Nishimi y Guillaume Renard | Distribuidora: MEDIATRES ESTUDIO | Género: Comedia, Acción, Animación
MEDIATRES ESTUDIO sorprendió el pasado año con la licencia en nuestro país de "Mutafukaz" —la cual tuvimos el placer de promocionar—. La nueva cinta de animación de Shojiro Nishimi y Guillaume Renard, un proyecto de los estudios STUDIO 4°C ("Tekkonkinkreet", "Los niños del mar") y ANKAMA ("Dofus"), presentada en los festivales de Londres, Sitges y Tokio, así como en los festivales de cine fantástico de San Sebastián, Fancine y Nippon Conection. La película fue galardonado en los Premios MPTE; además de nominada a los premios Annie y a los Blue Ribbon, y fue precandidata a los Oscars.
La historia sigue la pista de Angelino, un pobre diablo que malvive en Dark Meat City, una mega-urbe infestada de bandas violentas, policías corruptos y buscavidas sin escrúpulos. Mientras trabaja como repartidor tiene un accidente al distraerse con una misteriosa chica. Este acontecimiento cambiará por completo su vida, ya que a partir de entonces empezará a tener terribles visiones de seres monstruosos que acechan por toda la ciudad. ¿Acaso Angelino ha perdido la cabeza, o el accidente le ha abierto los ojos a una verdadera invasión alienígena?
Se trata de una adaptación del propio manga del realizador francés Guillaume Renard, que, a su vez, tiene como punto de partida su corto de 2002 "Operation Blackhead". A pesar de que gran parte del equipo técnico del estudio ANKAMA es principalmente de nacionalidad francesa, esta película no habría sido posible sin la incorporación del prestigioso estudio japonés STUDIO 4ºC y su co-director Shojiro Nishimi, una de las almas artísticas de títulos del calibre de "Tekkonkinkreet", "Akira" o "Mind Game".
Pese a tener una historia bien hilada con unos personajes cargados de carisma y personalidad, el punto fuerte de la cinta es el apartado artístico; sustentado al grandioso trabajo de su director de arte, Shinji Kimura, que al igual que hizo en "Tekkonkinkreet", consigue construir decadentes escenarios urbanos, que va desde barrios inhóspitos fracturados hasta la más fidedigna representación de las favelas brasileñas. Alterna la animación más tradicional con trazos del comic europeo/americano, dotando así al film de un dinamismo y un ritmo desbordante.
En definitiva, no se trata de un mera adaptación animada más, sino que llega a transfigurarse en un híbrido entre la mejor animación japonesa de uno de los estudios con mayor personalidad del país nipón con el mejor grafismo francés. Gracias a ese ritmo vertiginoso y audaz que marca la narración, como si se tratara de cualquier partida del videojuego "Grand Theft Auto", emana un profundo mensaje lleno de crítica social sobre el racismo y el odio al diferente.
La historia sigue la pista de Angelino, un pobre diablo que malvive en Dark Meat City, una mega-urbe infestada de bandas violentas, policías corruptos y buscavidas sin escrúpulos. Mientras trabaja como repartidor tiene un accidente al distraerse con una misteriosa chica. Este acontecimiento cambiará por completo su vida, ya que a partir de entonces empezará a tener terribles visiones de seres monstruosos que acechan por toda la ciudad. ¿Acaso Angelino ha perdido la cabeza, o el accidente le ha abierto los ojos a una verdadera invasión alienígena?
Se trata de una adaptación del propio manga del realizador francés Guillaume Renard, que, a su vez, tiene como punto de partida su corto de 2002 "Operation Blackhead". A pesar de que gran parte del equipo técnico del estudio ANKAMA es principalmente de nacionalidad francesa, esta película no habría sido posible sin la incorporación del prestigioso estudio japonés STUDIO 4ºC y su co-director Shojiro Nishimi, una de las almas artísticas de títulos del calibre de "Tekkonkinkreet", "Akira" o "Mind Game".
Pese a tener una historia bien hilada con unos personajes cargados de carisma y personalidad, el punto fuerte de la cinta es el apartado artístico; sustentado al grandioso trabajo de su director de arte, Shinji Kimura, que al igual que hizo en "Tekkonkinkreet", consigue construir decadentes escenarios urbanos, que va desde barrios inhóspitos fracturados hasta la más fidedigna representación de las favelas brasileñas. Alterna la animación más tradicional con trazos del comic europeo/americano, dotando así al film de un dinamismo y un ritmo desbordante.
En definitiva, no se trata de un mera adaptación animada más, sino que llega a transfigurarse en un híbrido entre la mejor animación japonesa de uno de los estudios con mayor personalidad del país nipón con el mejor grafismo francés. Gracias a ese ritmo vertiginoso y audaz que marca la narración, como si se tratara de cualquier partida del videojuego "Grand Theft Auto", emana un profundo mensaje lleno de crítica social sobre el racismo y el odio al diferente.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 18 de enero de 2019 | Director: Nanako Hirose | Distribuidora: GAGA | Género: Drama
A principios del mes de diciembre tuvimos el placer de cubrir la 7ª edición del Asian Film Festival Barcelona, uno de los certámenes especializados en cine asiático más importantes del país. Entre la abismal programación, se pudo ver "His Lost Name", el debut cinematográfico de Nanako Hirose. La cinta logró la Mención Especial en TOKYO FILMeX Awards y fue presentada en Japan Cuts, Busan y Palm Springs.
La historia nos pone en la piel de Shinichi, un joven desempleado, marcado por la catástrofe de Fukushima, el cual no tiene un hogar al que volver. Ante esta situación, el chico está al borde del suicidio hasta que encuentra a Tetsuro, un experimentado trabajador que perdió a su hijo de la misma edad que el joven. El hombre le ofrece vivir con él y pronto desarrollarán una estrecha relación padre-hijo, a pesar de los profundos y recónditos secretos que esconden.
Nanako Hirose siempre ha estado en un segundo plano como asistente de dirección para directores del calibre de Hirokazu Kore-eda ("De tal padre, tal hijo", "Nuestra hermana pequeña") y Miwa Nishikawa. Bajo el amparo de su productora BUN-BUKU se emancipa con un humilde pero desbordante debut cinematográfico. Se desprende de cualquier artificio pomposo, con una fotografia torpe e inexperta en apariencia de Hiroki Takano, cuya cámara en total movimiento adquiere el fin de representar el devastador desasosiego del protagonista, con una de las mejores interpretaciones de Yuya Yagira desde "Nadie sabe", —curiosamente otro film de Kore-eda, con el que comparte tanto el trasfondo emocional y temático como su productora Asako Nishikawa—, y en especial en su relación con su "nuevo padre" Kaoru Kobayashi . Se forma un círculo vicioso que une el primer con el último fotograma como metáfora en torno a la huida hacia un futuro mejor. Más allá de cualquier culpa, somos incapaces de escapar. La música de Tara Jane O'Neil es apenas imperceptible, pero sus notas se clavarán en lo más profundo de nuestro ser.
En definitiva, Nanako Hirose aprueba con nota en esta reinterpretación de la familia, donde dos almas perdidas sin ningún lazo de sangre, intentan construir una relación paterno-filial con el objetivo de borrar todos los errores del pasado, poder olvidar y apaciguar el sufrimiento. Al final, pese a todos nuestros esfuerzos, la vida es un capricho del destino, y la culpa nos azotará hasta los últimos momentos de nuestra vida.
2. AND YOUR BIRD CAN SING
FICHA TÉCNICA → Estreno: 10 de mayo de 2019 | Director: Shô Miyake | Distribuidora: TCEntertainment | Género: Drama
La medalla plata corresponde a otra de las películas que vimos en el 7º Asian Film Festival Barcelona, "And Your Bird Can Sing", la aclamada nueva película de Shô Miyake. El film fue premiado al Mejor Actor para Tasuku Emoto y Mejor Banda Sonora en los Mainichi Film Awards y fue reconocida como una de las diez mejor películas del año en los Kinema Junpo Awards, además de un segundo reconocimiento para Emoto.
Se trata de adaptación del célebre libro homónimo nominado al Premio Akutagawa del fallecido Yasushi Satô, del que ya se han adaptado para cine parte de su bibliografía, como por ejemplo "The Light Shines Only There", protagonizada por Gô Ayano. Se publicó en marzo de 1982 y fue reeditado en mayo de 2011 por la editorial KAWADE SHOBO SHINSHA.
La historia nos pone el la piel de una compleja y profunda relación triangular entre tres jóvenes. El protagonista conoce a Shizuo trabajando en una cámara frigorífica de una compañía de helados y pronto se harán amigos e incluso compañeros de cuarto. Tiempo más tarde, el joven comienza a trabajar en una librería y Shizuo acaba en el paro. El protagonista conocerá a Sachiko, el cual no sabe que es la pareja de su jefe, y establecerán una estrecha relación íntima. Los tres iniciarán una vida de locuras y desenfreno. Un día descubre por el propietario del bar que suele frecuentar que ella se ha ido con Shizuo a un viaje durante el verano tras haberse negado en un primer momento. Al llegar le cuenta que piensa mudarse con Shizuo. Todo cambiará cuando averigüen que Shizuo ha asesinado a su madre, la cual padece demencia, y después de huir ha sido detenido por la policía al poco tiempo de hablar con el protagonista. Hay una pregunta que le reconcome por dentro: ¿Qué significan para mí Shizuo y Sachiko?
La película comparte el mismo titulo que la famosa canción de The Beatles; no sabemos si es coincidencia, pero su letra y melodía se funde con la temática cinematográfica en torno a los rincones más oscuros de la amistad.
El director se adentra en los postulados del cine independiente, y especialmente del documental, para adentrarnos a partir de un rocambolesco triángulo amoroso en el verdadero reflejo de la juventud japonesa, marcada por la nocturnidad y las malas decisiones, demostrando que éstas, ya sea por amor o placer, pueden destruir lo que más atesoramos. La tristeza que emana de estas tres almas inertes evoca un sentimiento esperanzador de disfrutar de los pequeños placeres de la vida. La soñolienta fotografía de Hidetoshi Shinomiya dibuja uno halo ensoñador a partir una paleta de fríos colores, reflectados en la psique de los personajes, con unas excepcionales interpretaciones de Tasuku Emoto y Shota Sometani en correlación con su compañera Shizuka Ishibashi, cuyo papel se complementa a la perfección con el que interpretó en "The Tokyo Night Sky Is Always the Densest Shade of Blue". La banda sonora de Hi'Spec es el mejor acompañamiento para superar el viaje.
En definitiva, nos encontramos ante un diamante en bruto, con una narración totalmente densa que bifurca entre la contemplación y la poesía, caracterizado por escenas muy alargadas y prácticamente sin editar. La dirección de Miyake parece no tener un rumbo claro, llegando a demostrar su nulo interés en personajes complejos, pero queda patente su obsesión para lograr la máxima representación de ese vació sensorial que se desprende del vasto espacio de la urbe moderna y la apatía de que el tiempo se agota.
Se trata de adaptación del célebre libro homónimo nominado al Premio Akutagawa del fallecido Yasushi Satô, del que ya se han adaptado para cine parte de su bibliografía, como por ejemplo "The Light Shines Only There", protagonizada por Gô Ayano. Se publicó en marzo de 1982 y fue reeditado en mayo de 2011 por la editorial KAWADE SHOBO SHINSHA.
La historia nos pone el la piel de una compleja y profunda relación triangular entre tres jóvenes. El protagonista conoce a Shizuo trabajando en una cámara frigorífica de una compañía de helados y pronto se harán amigos e incluso compañeros de cuarto. Tiempo más tarde, el joven comienza a trabajar en una librería y Shizuo acaba en el paro. El protagonista conocerá a Sachiko, el cual no sabe que es la pareja de su jefe, y establecerán una estrecha relación íntima. Los tres iniciarán una vida de locuras y desenfreno. Un día descubre por el propietario del bar que suele frecuentar que ella se ha ido con Shizuo a un viaje durante el verano tras haberse negado en un primer momento. Al llegar le cuenta que piensa mudarse con Shizuo. Todo cambiará cuando averigüen que Shizuo ha asesinado a su madre, la cual padece demencia, y después de huir ha sido detenido por la policía al poco tiempo de hablar con el protagonista. Hay una pregunta que le reconcome por dentro: ¿Qué significan para mí Shizuo y Sachiko?
La película comparte el mismo titulo que la famosa canción de The Beatles; no sabemos si es coincidencia, pero su letra y melodía se funde con la temática cinematográfica en torno a los rincones más oscuros de la amistad.
El director se adentra en los postulados del cine independiente, y especialmente del documental, para adentrarnos a partir de un rocambolesco triángulo amoroso en el verdadero reflejo de la juventud japonesa, marcada por la nocturnidad y las malas decisiones, demostrando que éstas, ya sea por amor o placer, pueden destruir lo que más atesoramos. La tristeza que emana de estas tres almas inertes evoca un sentimiento esperanzador de disfrutar de los pequeños placeres de la vida. La soñolienta fotografía de Hidetoshi Shinomiya dibuja uno halo ensoñador a partir una paleta de fríos colores, reflectados en la psique de los personajes, con unas excepcionales interpretaciones de Tasuku Emoto y Shota Sometani en correlación con su compañera Shizuka Ishibashi, cuyo papel se complementa a la perfección con el que interpretó en "The Tokyo Night Sky Is Always the Densest Shade of Blue". La banda sonora de Hi'Spec es el mejor acompañamiento para superar el viaje.
En definitiva, nos encontramos ante un diamante en bruto, con una narración totalmente densa que bifurca entre la contemplación y la poesía, caracterizado por escenas muy alargadas y prácticamente sin editar. La dirección de Miyake parece no tener un rumbo claro, llegando a demostrar su nulo interés en personajes complejos, pero queda patente su obsesión para lograr la máxima representación de ese vació sensorial que se desprende del vasto espacio de la urbe moderna y la apatía de que el tiempo se agota.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 1 de marzo de 2019 | Director: Isao Yukisada | Distribuidora: Netflix | Género: Drama
¿Quién iba decir que "River's Edge", tras convertirse en la mención más destacada de nuestras películas favoritas de 2018, iba a volver a repetir este año? El responsable de este hito ha sido Netflix, quién decidió estrenarla a nivel mundial a través de su plataforma de streaming.
El reputado director Isao Yukisada se embarca en su primer adaptación de un manga. La cinta hizo historia abriendo la sección Panorama de La Berlinale, donde se alzaría con el premio Fipresci, el mismo galardón que consiguió 10 años atrás con la prodigiosa "Parade". Desde entonces se ha presentado en festivales de la talla de Fantasia, Hong-Kong y New York Asian Film Festival. Por su parte, su inolvidable protagonista Ryo Yoshizawa ha sido laureado, entre otros, al Mejor Actor Revelación en los Premios de La Academia Japonesa de Cine.
El reputado director Isao Yukisada se embarca en su primer adaptación de un manga. La cinta hizo historia abriendo la sección Panorama de La Berlinale, donde se alzaría con el premio Fipresci, el mismo galardón que consiguió 10 años atrás con la prodigiosa "Parade". Desde entonces se ha presentado en festivales de la talla de Fantasia, Hong-Kong y New York Asian Film Festival. Por su parte, su inolvidable protagonista Ryo Yoshizawa ha sido laureado, entre otros, al Mejor Actor Revelación en los Premios de La Academia Japonesa de Cine.
Misaki Setoyama ("Japanese Girls Never Die") adaptó el manga de culto de Kyoko Okazaki, publicado en 1993 en la revista Cutie y editado más tarde por TAKARJIMASHA. La historia gira en torno a Haruna Wakagusa e Ichirô Yamada, un chico homosexual que sufre un continuo bullying en la escuela, excepcionalmente interpretado por Fumi Nikaido y Ryo Yoshizawa. Ambos se hacen amigos después de que ella le proteja y ayude tras las continuas vejaciones de Kannonzaki, su ex-novio. Ichirô comparte un terrible secreto con Haruna: el descubrimiento de un cadáver en la orilla del río. Desde ese momento, sus vidas cambiarán drásticamente.
La cinta abandona gran parte de la intensidad sensorial vista en las otras adaptaciones de la obra de Kyoko Okazaki: "Helter Skelter" (2012, Mika Ninagawa) y especialmente, una de nuestras menciones de este año, "Chiwawa" (2019, Ken Ninomiya). El cineasta Isao Yukisada impregna ese tono más melancólico y poético que ha marcado su estilo desde sus colaboraciones con Shunji Iwai a sus films más laureados como "Parade", "Go" o "Center of my World", donde consigue trasmitir la decadencia que marcó en la década de los 90 a una generación perdida de jóvenes, tras el boom económico de los 80. Gracias en mayor parte al inteligente uso del montaje, alternando con el falso documental a través de entrevistas personales a los personajes, y a la sombría fotografía de Kenji Maki. La perturbadora banda sonora de Hiroko Sebu hace de hilo conductor en antítesis con el evocador tema principal "Arpeggio", interpretado por Kenji Ozawa. Nada de esto seria posible sin el recital interpretativo que se marca el reparto; además de los ya mencionados Fumi Nikaido y Ryo Yoshizawa, pese a su breve aparición, brilla el talento de Sumire —hija del actor Tadanobu Asano—, cuya mirada traspasa el alma.
En definitiva, nos encontramos ante una de las mejores adaptaciones de un manga jamás creadas, gracias a su fidelidad y al respeto a la obra de Okazaki. Se trata de un retrato realista y desasosegante de la depresiva y angustiosa juventud de principios de los 90's —no sólo japonesa—, la cual bebe muy especialmente de la obra de Gregg Araki y su "Mysterious Skin". Al final, no son más que un grupo de jóvenes que, pese a convivir con la terrible problemática de la homofobia, el bullying, la violencia o la carencia del amor, sólo buscan la libertad y una razón para sentirse vivos ante una sociedad podrida hasta sus entrañas, cuyo hedor es perceptible desde la orilla de cualquier río.
En definitiva, nos encontramos ante una de las mejores adaptaciones de un manga jamás creadas, gracias a su fidelidad y al respeto a la obra de Okazaki. Se trata de un retrato realista y desasosegante de la depresiva y angustiosa juventud de principios de los 90's —no sólo japonesa—, la cual bebe muy especialmente de la obra de Gregg Araki y su "Mysterious Skin". Al final, no son más que un grupo de jóvenes que, pese a convivir con la terrible problemática de la homofobia, el bullying, la violencia o la carencia del amor, sólo buscan la libertad y una razón para sentirse vivos ante una sociedad podrida hasta sus entrañas, cuyo hedor es perceptible desde la orilla de cualquier río.
interpretado por Kenji Ozawa?
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