TOP 5 MEJORES ÁLBUMES DE J-ROCK 2019
Después de conocer nuestros animes, películas y mangas favoritos del año, hoy toca el turno de hacer un repaso a los que, para nosotros, han sido los 5 álbumes de J-rock más importantes de 2019.
En 2019 se han publicado en el mercado importantes lanzamientos de bandas y artistas míticos con exitosas carreras de más de 20 años, así como también de los grupos mas jóvenes y noveles, los cuales han proporcionado propuestas de lo más interesantes y atractivas, y de géneros muy diversos: rock, visual-kei, indie, experimental, shoegaze, punk, alternativo, post-rock... Aunque gran parte de los estos lanzamientos no han llegado a nuestro país, todavía es posible reservarlos a través de nuestro partner oficial CD JAPAN.
En Hikari No Hana hemos realizado una clasificación con los que, a título personal, han sido las mejores álbumes de 2019, aquéllos que más nos han llamado la atención y más nos han cautivado.
No obstante, antes de hablar de nuestro top 5, nos gustaría detenernos a recordar aquellos discos, que, por formato o duracción, se quedaron a las puertas y que merecen una mención especial.
A RED RAY
Comenzamos nuestras menciones especiales con el single "A Red Ray", compuesto e interpretado por Sugizo, guitarrista de LUNA SEA y X-JAPAN, en colaboración con la cantautora Miwa. El sencillo, que se lanzo el 25 de junio en formato digital, fue elegido para el tercer ending del anime "Mobile Suit Gundam: The Origin: Advent of the Red Comet".
De entre todos las canciones que compuso Sugizo para el nuevo anime de Gundam —recordemos que fue su director musical—, es sin duda la maxima representación del talento de músico japonés. El bosquejo que arma, donde la guitarra acústica es el elemento catalizador que une a la intrumentación de viento y de cuerdas con la electrónica. Culmina con su celestial solo de guitarra, fundiéndose con la sensible voz de Miwa, cuyo estilo musical se asemeja más al folk y al pop maś liviano, dotandole de una originalidad arrolladora. El universo sensorial propio creado desprende un halo de luz que es capaz de traspasar la pantalla y nuestras almas, como si se tratase un rayo rojo disparado por uno de los mechas de la serie.
MIRAI NI NARENAKATTA ANO YORU NI
Otro single que merece un puesto en nuestras menciones especiales es sin duda para "Mira Mirai Ni Narenakatta Ano Yoru Ni". El último sencillo digital de Amazarashi se puso a la 20 de noviembre; no obstante, también se publicó fisicamente el 27 de de ese mes con el lanzamiento de un dvd homónimo.
Pese a ser reconocido este año Amazarashi en la cultura popular por el maravilloso ending que compuso para el anime "Dororo", nos hemos decidió por su último sencillo por todo el trasfondo emocional y personal que ha supuesto para el artista. La distorsión de la guitarra del comienzo del tema que acompaña a la bella melodía del piano, con un sutil acompañamiento de una casi imperceptible base electrónica y los demás instrumentos, —muy en especial, ese poderoso riff de guitarra—, dirige la narración apoya por completo en la poética voz de Hiromu Akita, cuya catarsis emocional llega con el estribillo final. Otro punto aparte es el vídeo musical dirigido por Michihito Fuji y protagonizado por Ryusei Yokohama junto a un espectacular reparto, que, gracias a su experiencia conjunta en la película "We Are", consigue trasladar por completo el alma de la canción.
NEIGHBORMIND / LASER BEAMER
Nuestra última mención especial dedicada a los mejores singles del año es para el doble sencillo "Neighbormind / laser beamer", compuesto e interpretado por la banda LING TOSITE SIGURE. Su lanzamiento llego a las tiendas y plataformas digitales el pasado 3 de julio.
Pensábamos que el cenit creativo de LING TOSITE SIGURE llego con su espectacular último álbum "#5", pero a pesar de sus 15 años en activo, tiene mucho más que ofrecer. En esta ocasión vuelven a tomar elementos comunes de sus anteriores producciones discográficas, donde reinterpretan géneros tan dispares como el math-rock y el post-hardcore, que van desde el denso bajo y etéreos coros de Miyoko (345), el ritmo frenético de la batería de Pìerre Nakano y, en especial, a los subversivos riffs y arpeggios de la guitarra de TK, unido a su prodigiosa voz, la cual es capaz de ofrecer desde armonías llenas de tonalidades a la rabia de sus guturales. La novedad viene al adentrarse en caminos nada habituales: el uso de la electrónica —seguramente marcada por la carrera en solitario de TK y su estrecha relación con Masayuki Nakano de BOOM BOOM SATELLITES c.
MELODRIVE
El primero de los mini-albumes que merece una mención especial es "Melodrive", compuesto e interpretado por la banda Tokyo Karankoron. Su lanzamiento llegó a las tiendas y plataformas digitales el pasado 4 de septiembre.
El disco lo abre la canción "Little Miss Sunshine", donde no solo comparte nombre con la reconocida película norteamericana, sino es toda una declaración de intenciones de Tokyo Karankoron. La banda se embarca en un trascendental viaje, donde en cada parada de esta imaginaria travesía se entrelaza desde el indie-rock, new-wave, jazz, blues o el jpop más luminoso, donde florecen melodías pegadizas del que emana una gran variedad cromática y de texturas, cuyo nexo es la evocadora química de los dos vocalistas. Este horizonte sensorial que nos aguarda, culmina en un caleidoscopio cegador cargado positividad y optimismo. No es de extrañar que la compañía Hino Motors la eligiera para el tema principal de su corto anime "Embracing those Emotions Forever", producido por SUNRISE y dirigido por Takahiko Kyogoku.
FAMILY
La última mención especial es para el mini-album "Family", compuesto e interpretado por BBHF, anteriormente conocido por Bird Beard Hare And Fish. Su lanzamiento llego a las tiendas y plataformas digitales el pasado 13 de noviembre.
Los fans de Galileo Galilei estábamos huérfanos desde que se disolvieron en 2016. Los antiguos miembros de la banda formaron BBHF y volvieron a recobrar nuestra esperanza. No solo no se había perdido la esencia, sino que emulsiono un agradable aroma a renovación, reflejado de forma sobresaliente con el lanzamiento de su primer álbum "Moon Boots". En esta ocasión han contado con Mike Crossey, productor de bandas del calibre de The 1975, Arctic Monkeys y Wolf Alice, logrando un sonido más semejante al indie occidental, pero sin perder su identidad propia. La electrónica, llena de sintetizadores, samples y bases, se convierte en el verdadero catalizador de la sección rítmicas del bajo y la batería, junto a los cromáticos riffs de las guitarras. La creatividad confluye en unas melodías adictivas, nebulosas y pegadizas, con parte de las texturas vocales digitalizadas, capaz de crear un imaginario sonoro destinado para elevar la vibrante voz de Yuuki Ozaki hasta las estrellas.
Ahora sí, sin más preámbulos, pasemos a hablar de la razón de este artículo. Aquí llega nuestro Top 5 de mejores álbumes J-ROCK de 2019.
5. DREAMS NEVER END
FICHA TÉCNICA → Lanzamiento: 8 de enero de 2019 | Artista: Spangle Call Lilli Line | Discográfica: FELICITY | Género: Post-rock, Alternativo
Spangle Call Lilli Line, tras casi 4 años de silencio discográfico del descomunal "Ghost Is Dead", celebra el vigésimo aniversario con la publicación de su nuevo trabajo de estudio "Dreams Never End".
El germen del título de su nuevo trabajo de estudio tiene su origen en la apertura del trascendental disco "Movement" de New Order, la primera producción de grupo tras el suicidio de Ian Curtis y la disolución de Joy Division. De él comparte ese sentimiento de euforia y miedo que genera adentrarse en lo desconocido, sin olvidar de donde venimos: la búsqueda de nuestros sueños es lo que nos definen. Su sonido siempre se le ha vinculado al post-rock, cargado de introspección sombría y melancólica; aunque el alma sigue intacta, se han adentrado en géneros tan dispares como el dream pop, sophisti-pop, math Rock hasta el extremo del trip hop y el space rock. Estas reverberaciones oníricas emanan desde el principio con la canción que abre el disco, "Red", cuyas mixturas más sinuosas de los riff y arpeggios de las guitarras junto a las lineas del bajo y la batería, se adentran en los terrenos de la electrónica experimental, llegando a abrazar por completo en "Lay Low" o "Give Each Other Space". La etérea voz de Kaya Otsubo, donde alcanza cotas máximas en "Mio" y "Still Three", nos trasporta a los paisajes más ensoñadores de nuestra mente. El summun sensorial culmina con el supraboreal dueto "therefore", con otro de los máximos estándares del género, Koji Nakamura (LAMA, SUPERCAR).
En definitiva, Spangle Call Lilli Line trasciende todos los postulados que que ha caracterizado sus 20 años de carrera musical y dar testigo de su evolución lógica que ha sufriendo el grupo desde su formación en 1998. "Dream Never End" es el claro de ejemplo de su eterna búsqueda de nuevo sonidos capaces se sobrecogernos todas nuestras entrañas y evocar los sueños y esperanzas que más anhelamos.
El germen del título de su nuevo trabajo de estudio tiene su origen en la apertura del trascendental disco "Movement" de New Order, la primera producción de grupo tras el suicidio de Ian Curtis y la disolución de Joy Division. De él comparte ese sentimiento de euforia y miedo que genera adentrarse en lo desconocido, sin olvidar de donde venimos: la búsqueda de nuestros sueños es lo que nos definen. Su sonido siempre se le ha vinculado al post-rock, cargado de introspección sombría y melancólica; aunque el alma sigue intacta, se han adentrado en géneros tan dispares como el dream pop, sophisti-pop, math Rock hasta el extremo del trip hop y el space rock. Estas reverberaciones oníricas emanan desde el principio con la canción que abre el disco, "Red", cuyas mixturas más sinuosas de los riff y arpeggios de las guitarras junto a las lineas del bajo y la batería, se adentran en los terrenos de la electrónica experimental, llegando a abrazar por completo en "Lay Low" o "Give Each Other Space". La etérea voz de Kaya Otsubo, donde alcanza cotas máximas en "Mio" y "Still Three", nos trasporta a los paisajes más ensoñadores de nuestra mente. El summun sensorial culmina con el supraboreal dueto "therefore", con otro de los máximos estándares del género, Koji Nakamura (LAMA, SUPERCAR).
En definitiva, Spangle Call Lilli Line trasciende todos los postulados que que ha caracterizado sus 20 años de carrera musical y dar testigo de su evolución lógica que ha sufriendo el grupo desde su formación en 1998. "Dream Never End" es el claro de ejemplo de su eterna búsqueda de nuevo sonidos capaces se sobrecogernos todas nuestras entrañas y evocar los sueños y esperanzas que más anhelamos.
Tracklist
- Red
- Lay low
- So as not to
- Still three
- Touei
- Sai
- Toss out it
- Give each other space
- Mio
- Tesla
- Therefore
4. ANGELS
FICHA TÉCNICA → Lanzamiento: 5 de diciembre de 2018 | Artista: THE NOVEMBERS | Discográfica: MERZ | Género: Rock, Shoegaze
La reputada banda shoegaze THE NOVEMBERS ha tardado casi 3 años en presentar "ANGELS", el sucesor espiritual del sobrecogedor "Hallelujah", su anterior trabajo de estudio, publicado en septiembre de 2016.
Al igual que ha ocurrido en el puesto anterior, THE NOVEMBERS ha sabido reinventarse y desprenderse de esa narrativa sonora que siempre les ha caracterizado. El shoegaze todavía sigue ahí, sobre todo en las distorsiones de las guitarras y en los alaridos desgarradores de la atronadora voz de Yusuke Kobayashi, del que relucen matices jamas vistos en su potencia vocal. La banda re formula su música adhiriéndose a la electrotecnica desde sus cimientos, el tema de apertura "Tokyo", con unos samples y beats que se funden con acordes orquestales con reminiscencias a la banda sonora de "AKIRA", como si si tratase de la reconstrucción metafísica de la capital nipona. Capa a capa van experimentando con todo lo que le ofrece el noise en "Ghost Rider", "Bad Dream" "Zoning"; o el new wave, acid, shibuya-kei y, especialmente, new romantics, donde brilla el bajo freetless al más puro estilo de Mick Karn de JAPAN en "Plastic" o al Sakamoto más synth en "Close to me". En antítesis a lo establecido, cierra este monumento renacentista "ANGELS", un tema que curiosamente da titulo al disco, del que deprende un halo lumínico y vaporoso que asciende a los cielos, como si se tratase de una revelación celestial.
En definitiva, THE NOVEMBERS nunca han tenido que demostrar su versatilidad; ademas no hay indicios del agotamiento creativo a lo largo de los años. Con cada uno de sus álbumes continua explorando nuevas temáticas y sonidos. "ANGELS" continúa la tendencia. Si bien no es tan largo como los registros anteriores, este compensa la cantidad con la calidad, ya que no hay una sola canción que no valga la pena. Desde luego dejan el listón mas allá de los máximos terrenales.
Al igual que ha ocurrido en el puesto anterior, THE NOVEMBERS ha sabido reinventarse y desprenderse de esa narrativa sonora que siempre les ha caracterizado. El shoegaze todavía sigue ahí, sobre todo en las distorsiones de las guitarras y en los alaridos desgarradores de la atronadora voz de Yusuke Kobayashi, del que relucen matices jamas vistos en su potencia vocal. La banda re formula su música adhiriéndose a la electrotecnica desde sus cimientos, el tema de apertura "Tokyo", con unos samples y beats que se funden con acordes orquestales con reminiscencias a la banda sonora de "AKIRA", como si si tratase de la reconstrucción metafísica de la capital nipona. Capa a capa van experimentando con todo lo que le ofrece el noise en "Ghost Rider", "Bad Dream" "Zoning"; o el new wave, acid, shibuya-kei y, especialmente, new romantics, donde brilla el bajo freetless al más puro estilo de Mick Karn de JAPAN en "Plastic" o al Sakamoto más synth en "Close to me". En antítesis a lo establecido, cierra este monumento renacentista "ANGELS", un tema que curiosamente da titulo al disco, del que deprende un halo lumínico y vaporoso que asciende a los cielos, como si se tratase de una revelación celestial.
En definitiva, THE NOVEMBERS nunca han tenido que demostrar su versatilidad; ademas no hay indicios del agotamiento creativo a lo largo de los años. Con cada uno de sus álbumes continua explorando nuevas temáticas y sonidos. "ANGELS" continúa la tendencia. Si bien no es tan largo como los registros anteriores, este compensa la cantidad con la calidad, ya que no hay una sola canción que no valga la pena. Desde luego dejan el listón mas allá de los máximos terrenales.
Tracklist
- TOKYO
- BAD DREAM
- Everything
- Plastic
- DOWN TO HEAVEN
- Zoning
- Ghost Rider
- Close To Me
- ANGELS
3. #6
FICHA TÉCNICA → Lanzamiento: 7 de agosto de 2019 | Artista: AA= | Discográfica: Victor Entertainment | Género: Rock, Industrial
AA=, el proyecto en solitario de Takeshi Ueda, bajista fundador de los legendarios THE MAD CAPSULE MARKETS, ha tardado casi 3 tres años en brindarnos "#6", la esperada nueva entrega de su innominados álbumes de estudio, cuyo ultima producción "#5" fue publicado en mayo de 2016.
Pese a ser el décimo aniversario del debut de proyecto en solitario, la sombra de THE THE MAD CAPASULE MARKETS con más de 20 años de trayectoria dentro de la banda y, donde uno de sus guitarristas soporte, Minoro Kojima, también estuvo entre sus filas es demasiado alargada. El resto de miembros soporte también han influenciado a la hora de definir su sonido, como es el caso del batería Nobuaki Kaneko (Rize) o la voz de Takayoshi Shirakawa (Back Drop Bomb); además de la experiencia de Kojima en otros formaciones como Die in Cries o Creature Creature. Los trabajos alternativos de Ueda con BUCK-TICK, BABYMETAL o Schaft le han aportado riqueza a la producción del mismo.
La calma ambiental que impregna los sintetizadores del tema de apertura "Flower" se van diluyendo por la tangente del digital hardcore hasta florecer con el coro su final "All Animal are equal" —el verdadero nombre de la banda—. De la matriz sonora emerge el sonido pesado y metálico característico industrial en "NOISE OSC", potenciado por el rugido estruendo de los riffs y distorsiones de la guitarra de Kojima, como si de una fabrica emergiera. Todo este proceso en cadena converge progresivamente en la más genuina experimentación, desde el punk en el rabioso dueto "Deep Inside" con Ryosuke (Balzac) a el rockabilly en "So Blue", pasando por el jpop más pegajoso en "Smile", la digitalización extrema de "Soshite Tsumi Wa Yurusareta～Acquital" y, hasta la critica social, en "AD SONG".
En definitiva, Takeshi Ueda vuelve a demostrar con "#6" que su mente no tiene limites, donde, a pesar de ser su proyecto en solitario, ha tenido la lucidez de incluir en el proceso creativo a los miembros soporte AA=; no solo interpretan instrumentalmente sus composiciones, sino que le aportan sus experiencias propias. Desde esa portada al más puro estilo de Pink Floyd, diseñado por el reputado artista gráfico Shingo Matsunuma, —responsable del grafismo de la mayoría de sus discos—, con el protagonismo de un cerdo mecanizado, donde queda patente su visión del mismo modo que la última canción del álbum, "Saw", de la que rezuma el nauseabundo hedor producido por los avances tecnológicos en esta sociedad desnaturalizada y deshumanizada.
Pese a ser el décimo aniversario del debut de proyecto en solitario, la sombra de THE THE MAD CAPASULE MARKETS con más de 20 años de trayectoria dentro de la banda y, donde uno de sus guitarristas soporte, Minoro Kojima, también estuvo entre sus filas es demasiado alargada. El resto de miembros soporte también han influenciado a la hora de definir su sonido, como es el caso del batería Nobuaki Kaneko (Rize) o la voz de Takayoshi Shirakawa (Back Drop Bomb); además de la experiencia de Kojima en otros formaciones como Die in Cries o Creature Creature. Los trabajos alternativos de Ueda con BUCK-TICK, BABYMETAL o Schaft le han aportado riqueza a la producción del mismo.
La calma ambiental que impregna los sintetizadores del tema de apertura "Flower" se van diluyendo por la tangente del digital hardcore hasta florecer con el coro su final "All Animal are equal" —el verdadero nombre de la banda—. De la matriz sonora emerge el sonido pesado y metálico característico industrial en "NOISE OSC", potenciado por el rugido estruendo de los riffs y distorsiones de la guitarra de Kojima, como si de una fabrica emergiera. Todo este proceso en cadena converge progresivamente en la más genuina experimentación, desde el punk en el rabioso dueto "Deep Inside" con Ryosuke (Balzac) a el rockabilly en "So Blue", pasando por el jpop más pegajoso en "Smile", la digitalización extrema de "Soshite Tsumi Wa Yurusareta～Acquital" y, hasta la critica social, en "AD SONG".
En definitiva, Takeshi Ueda vuelve a demostrar con "#6" que su mente no tiene limites, donde, a pesar de ser su proyecto en solitario, ha tenido la lucidez de incluir en el proceso creativo a los miembros soporte AA=; no solo interpretan instrumentalmente sus composiciones, sino que le aportan sus experiencias propias. Desde esa portada al más puro estilo de Pink Floyd, diseñado por el reputado artista gráfico Shingo Matsunuma, —responsable del grafismo de la mayoría de sus discos—, con el protagonismo de un cerdo mecanizado, donde queda patente su visión del mismo modo que la última canción del álbum, "Saw", de la que rezuma el nauseabundo hedor producido por los avances tecnológicos en esta sociedad desnaturalizada y deshumanizada.
Tracklist
- THE FLOWER
- NOISE OSC
- PICK UP THE PIECES
- UNDER PRESSURE
- AD SONG
- SO BLUE
- SMILE
- POSER
- MONEY GRUBBER
- DEEP INSIDE
- SOSHITE TSUMI WA YURUSARETA～ACQUITTAL
- SAW
2. SYMPA
FICHA TÉCNICA → Lanzamiento: 16 de enero de 2019 | Artista: KING GNU | Discográfica: SONY Music Japan | Género: Rock, Alternativo
La medalla de plata ha recaído sobre "Sympa", el primer trabajo discográfico de estudio de la banda KING GNU, tras su apasionante ep "Tokyo Rendez-vous", publicado en octubre de 2017.
Según el lenguaje francés el término "Sympa" significa agradable, simpático, bondadoso y en especial, "cool"; cualidades que valoramos positivamente a lo hora de establecer las relaciones humanas. La banda reformula este axioma lingüístico para adaptarlo a la base conceptual del álbum, donde lo destruye en mil pedazos y lo re configura según sus necesidades temáticas y musicales.
La obertura —titulada igual que el disco—, a través de diversos arreglos orquestales y distorsiones electrónicas, emerge como una lejana voz pidiendo ayuda, como si de un mayday se tratase, que fragmenta el disco en cuatro partes bien diferenciadas y con identidad propia. Desde melodías saturadas y pegadizas hasta la multiplicidad cromática de géneros tan dispares como el jazz, ska, hiphop, synth-rock, sunshine pop o shibuya-kei. Esta amalgama de estilos funciona bien gracias al inteligente uso de línea funky del bajo, el ritmo dinámico de la batería y los diferentes riffs y slaps de la guitarra, sustentado en su totalidad por la combinación vocal de la melosa voz de Iguchi Satoru y el uso delirante del megáfono de Tsuneta Daiki; un claro ejemplo de ésto son "Slumberland", "Hitman" o "Bedtown".
La antinomia sonora convulsiona en las desgarradoras baladas llenas de dramatismo y melancolía, donde desdibuja los beats jazzísticos gracias a las notas clásicas en la archiconocida "Prayer X" —ending del anime "Banana Fish"— y, sobre todo, en el sobrecogedor cierre "The Hole", marcada en origen por la lánguida quietud pianística y vocal, radicalmente vulnerada por su simbología y la agresividad de los violines, potenciado en su estremecedor y descorazonador videoclip, protagonizado por Hiroya Shimizu.
En definitiva, estamos antes uno de los descubrimientos más deslumbrantes que más nos han sorprendido este año. No estamos ante un producción discográfica más, sino que trasciende la narración a través de las trece canciones del tracklist, como si se tratase de capítulos de un relato literario o una producción cinematográfica. La paleta emocional de la que nos hace participes, nos permitirá adentrarnos en nuestro miedos y errores, reflexionando sobre nuestra existencia dentro de esta vasto universo.
Según el lenguaje francés el término "Sympa" significa agradable, simpático, bondadoso y en especial, "cool"; cualidades que valoramos positivamente a lo hora de establecer las relaciones humanas. La banda reformula este axioma lingüístico para adaptarlo a la base conceptual del álbum, donde lo destruye en mil pedazos y lo re configura según sus necesidades temáticas y musicales.
La obertura —titulada igual que el disco—, a través de diversos arreglos orquestales y distorsiones electrónicas, emerge como una lejana voz pidiendo ayuda, como si de un mayday se tratase, que fragmenta el disco en cuatro partes bien diferenciadas y con identidad propia. Desde melodías saturadas y pegadizas hasta la multiplicidad cromática de géneros tan dispares como el jazz, ska, hiphop, synth-rock, sunshine pop o shibuya-kei. Esta amalgama de estilos funciona bien gracias al inteligente uso de línea funky del bajo, el ritmo dinámico de la batería y los diferentes riffs y slaps de la guitarra, sustentado en su totalidad por la combinación vocal de la melosa voz de Iguchi Satoru y el uso delirante del megáfono de Tsuneta Daiki; un claro ejemplo de ésto son "Slumberland", "Hitman" o "Bedtown".
La antinomia sonora convulsiona en las desgarradoras baladas llenas de dramatismo y melancolía, donde desdibuja los beats jazzísticos gracias a las notas clásicas en la archiconocida "Prayer X" —ending del anime "Banana Fish"— y, sobre todo, en el sobrecogedor cierre "The Hole", marcada en origen por la lánguida quietud pianística y vocal, radicalmente vulnerada por su simbología y la agresividad de los violines, potenciado en su estremecedor y descorazonador videoclip, protagonizado por Hiroya Shimizu.
En definitiva, estamos antes uno de los descubrimientos más deslumbrantes que más nos han sorprendido este año. No estamos ante un producción discográfica más, sino que trasciende la narración a través de las trece canciones del tracklist, como si se tratase de capítulos de un relato literario o una producción cinematográfica. La paleta emocional de la que nos hace participes, nos permitirá adentrarnos en nuestro miedos y errores, reflexionando sobre nuestra existencia dentro de esta vasto universo.
Tracklist
- Sympa Ⅰ
- Slumberland
- Flash!!!
- Sorrows
- Sympa Ⅱ
- Hitman
- Don't Stop The Clock
- It's A Small World
- Sympa Ⅲ
- Prayer X
- Bedtown
- The Hole
- Sympa Ⅳ
1. CROSS
FICHA TÉCNICA → Lanzamiento: 18 de diciembre de 2019 | Artista: LUNA SEA | Discográfica: UNIVERSAL Music Japan | Género: Rock, Alternativo
La legendaria banda LUNA SEA con motivo de la celebración de su trigesimo aniversario publicó el su esperado décimo trabajo de estudio "Cross", su primera producción discografica en dos años, tras la publicación en diciembre de 2017 de "Luv".
La principal diferencia que radica respeto a sus anteriores lanzamientos es la participación de un agente externo en la producción, del cinco veces ganador de Grammy, Steve Lillywhite, productor de U2, The Rolling Stones, 30 Seconds to Mars y Siouxsie and the Banshees, Ambos se han retroalimentadado bidireccionalmente, deprendiéndose de lo superfluo y focalizandose en la más genuina creación. El imborrable legado temático y estilístico no ha desaparecido, condicionado por la intervención extrajera y el influjo de las carreras en solitario de sus miembros, se ha transfigurado en nuevo cosmos, como si un agujero negro lo hubiera absorbido en pos de un nuevo renacimiento.
El dogma catedralicio del que somos unos afortunados testigos ya es palpable en los primeros pasajes de su evocadora apertura "Luca", donde Ryuichi nos regala su mejor interpretación vocal en años —recordemos que hace unos meses superó un cancer—. Su voz hace de guía espiritual, hilvanando un infinito universo desbordante de matices y texturas a través de las diferentes canciones del álbum, donde los trascendentales solos y riffs oníricos de Sugizo conciben las atmósferas más sugestivas; un claro ejemplo son los temas que han formado parte del nuevo anime de "Gundam", así como el homenaje del 40º aniversario de la serie, convergiendo en un alma conjunta. El súmmun evangélico se corona con la vitalista "Pulse" y la canónica "Seijyaku". El colofón llega con "So Tender", capaz de abrir una puerta hacia el futuro.
En definitiva, LUNA SEA dejó hace muchos años su pasado como una de las bandas emblemáticas que ayudaron a definir lo que hoy conocemos como visual-kei. Con "Cross" han alcanzado la madurez en su proceso evolutivo, donde a pesar de su prolífica carrera musical, desprende frescura y una riqueza de mixturas digna de alabar. Desde nuestra humilde opinión, es posiblemente su mejor álbum desde su reinicio en 2010 —incluido su sobresaliente "A Will"—. Si este fuera el final, no podrían tener mejor epitafio.
La principal diferencia que radica respeto a sus anteriores lanzamientos es la participación de un agente externo en la producción, del cinco veces ganador de Grammy, Steve Lillywhite, productor de U2, The Rolling Stones, 30 Seconds to Mars y Siouxsie and the Banshees, Ambos se han retroalimentadado bidireccionalmente, deprendiéndose de lo superfluo y focalizandose en la más genuina creación. El imborrable legado temático y estilístico no ha desaparecido, condicionado por la intervención extrajera y el influjo de las carreras en solitario de sus miembros, se ha transfigurado en nuevo cosmos, como si un agujero negro lo hubiera absorbido en pos de un nuevo renacimiento.
El dogma catedralicio del que somos unos afortunados testigos ya es palpable en los primeros pasajes de su evocadora apertura "Luca", donde Ryuichi nos regala su mejor interpretación vocal en años —recordemos que hace unos meses superó un cancer—. Su voz hace de guía espiritual, hilvanando un infinito universo desbordante de matices y texturas a través de las diferentes canciones del álbum, donde los trascendentales solos y riffs oníricos de Sugizo conciben las atmósferas más sugestivas; un claro ejemplo son los temas que han formado parte del nuevo anime de "Gundam", así como el homenaje del 40º aniversario de la serie, convergiendo en un alma conjunta. El súmmun evangélico se corona con la vitalista "Pulse" y la canónica "Seijyaku". El colofón llega con "So Tender", capaz de abrir una puerta hacia el futuro.
En definitiva, LUNA SEA dejó hace muchos años su pasado como una de las bandas emblemáticas que ayudaron a definir lo que hoy conocemos como visual-kei. Con "Cross" han alcanzado la madurez en su proceso evolutivo, donde a pesar de su prolífica carrera musical, desprende frescura y una riqueza de mixturas digna de alabar. Desde nuestra humilde opinión, es posiblemente su mejor álbum desde su reinicio en 2010 —incluido su sobresaliente "A Will"—. Si este fuera el final, no podrían tener mejor epitafio.
Tracklist
- LUCA
- PHILIA
- Closer
- THE BEYOND
- You’re knocking at my door
- Soranouta 〜Higher and Higher〜 (The Song of the Cosmos 〜Higher and Higher〜）
- Anagram
- Hisoubi (Tragic Beauty)
- Pulse
- Seijyaku (SILENCE)
- So tender…
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